Når lære et nytt stykke musikk, da bør en musiker arbeidet med å få rett rytmen og følelsen av stykket?
Jeg har lenge trodd det må være den aller første til å få rett, og det er liten vits å spille notene i det hele tatt med mindre de er i ønsket rytme og føler. Tempo, er imidlertid helt annen gjenstand – det er mye å si for presisjon og selv spiller låter på markert forskjellige tempi å internal stykket bedre.
Timing er grunnfjellet av musikalitet: “Når et notat er truffet på feil tid, det er feil note”. Å få spille i riktig rytme så snart som mulig er derfor jeg har alltid søkt ut strukturert og inspirerende rytmisk backing. Dette til slutt føre til “ Song Rhythm Tracks “.
En av de mest gjentatte vilkår til og med musikere er at “øvelse gjør mester”. Jeg har hørt dette endret til “ øvelse gjør permanent ”. dvs. hvis vi gjentar en ting om og om igjen så vi internal det, og det blir et anlegg vi har “uten bevisst å tenke på det”. Dette er grunnen til at vi kan gjøre komplekse koordinerte bevegelser uten mye bevisst tanke som kjører biler, og selv med en kniv og gaffel. Hvis du aldri har gjort disse tingene i livet ditt før de kan være svært utfordrende for aller første gang , men når utføres daglig man ikke engang kjenner dem som en utfordring lenger. Det er som om en helt annen del av hjernen din er tildelt oppgaven. Så, hva er viktig er at vi erveldig selektiv om å bruke denne gjentakelsen teknikk og sørge for at det effektene fungerer ikke mot oss fordi hvis det vi øver er ikke gunstig da vil det bli internalisert like lett …. Så praksis kan gjøre perfekt; Det vil etter hvert gjøre permanent, men permanency kan beseire deg samt hjelpe deg.
En sentral del av musikken er rytme og timing – det er hva som kan gjøre musikken levende, og det er det som kan drepe det også. Det er viktig at vi utvikler god rytme og timing.
Hvis du ennå ikke har utviklet den forstand at regelmessig puls som er til stede i de fleste moderne musikk – pop, folk, country, jazz – å spille med på noe med en puls er en stor fordel, fordi uansett hvor pulsen mangler det vil være klart vist og du vil automatisk justere for å følge pulsen og holde timing.Stor: Det er en reell seier. Min anbefaling er å være veldig selektiv om bruk av metronomer og klikk-spor:
Misbruk av metronomer og klikk spor anses som skadelig
Alltid bruker en klikk-spor når du øver, og også når du spiller sammen i en gruppe vil sannsynligvis virke mot å utvikle din egen menneskelig samhandling på pulsen og avlede oppmerksomheten fra de rytmiske nyanser som ender opp med å bli slått ut av den krevende, oh-så-vanlig , ‘klikk’. Også tellernår du er jamming med andre vil være et problem: Telle pulsene i meter, slik som en-og-en, to-og-en, er en helt uvurderlig hjelpemiddel når man lærer en ny, kanskje rytmisk utfordrende melodi: jeg har hørt det sagt at hvis du ikke kantelle en melodi eller rytmisk ideen ut, trenger du egentlig ikke vet det: Det er flott å regne det ut for å sikre at vi egentlig vet det, men når du har internalisert som melodi, er det på tide å slutte å telle det og føle rytmen og kommunisere med de andre du spiller med uten å blokkere dem ut ved å telle i hodet ditt. Den fantastiske ting om folk å spille musikk sammen er det menneskelige samspillet som du går glipp av hvis du kommuniserer med et klikk-spor i stedet for de andre menneskene du spiller med, eller telle ut hver bar i hodet i stedet for å lytte til den andre musikere. Jeg er ikke den eneste som ser det på denne måten: Jeg har hørt den britiske musikeren Jamie Cullum si at han unngår bruk av klikk spor når jamming og opptak fordi det tar bort den menneskelige flo og fjære av musikken når de brukes .
Hvordan å praktisere og syltetøy?
Stage One – Tidlig Beginnings av Private Practice:
Hvis du lærer en ny, kanskje utfordrende, melodi for første gang, i privat praksis, så sikker, må du regne ut måleren og bruke en metronom / klikk-spor selektivt og judiciously å sjekke timing, men så snart du ‘ve bekreftet at du har det, slutte å bruke metronom eller klikk spor asap, og ikke bruke det igjen for at musikkstykke, fordi det var en gang hjelpe deg å få bedre rytmisk vil nå begrense deg og holde deg tilbake.
Stage Tre – Jamming eller gigging med andre musikere:
Vi vil komme til å iscenesette to senere! Når jamming eller gigging, ikke telle i hodet ditt. Nå skal du ha internalisert sang av privat praksis og være klar til å kommunisere den med andre og telling vil skjemme lytte. “La Melody av din guide”. Hvis du har melodien i tankene dine mens du utfører og improvisere vil det hjelpe deg å holde plassen uten behov for å telle. Også, hvor det er en pause i melodien supplere melodi med din egen for å hjelpe til med dette. For eksempel, hvis melodien har en to bar resten deretter fylle det resten med din egen ‘fylle melodien’ vil støtte bruke melodien å holde stedet i melodien. Holde melodi i hodet ditt vil være det minste distraksjon mens du lytter til de andre spillerne med mindre din følelse av rytme og timing er så bra, og du er så tett med de andre bandmedlemmene at du ikke trenger det engang.
Trinn to – Øve alene eller kanskje med andre:
Hva gjør du når du spiller melodien løpet regelmessig for å internalisere det før du spiller den med andre, eller selv om du aldri kommer til å spille med andre? For det første ville det være godt å få en følelse av form av musikk, og også, (ii) det ville være bra å øve og spille i rytmisk stil av stykket. Jeg tror en ideell, og urealistisk, optimale ville være å ha et ekte menneske band av erfarne musikere som kjenner stykket godt klar i praksis studio for å jamme med til. De må også ta imot deg ved å stoppe og starte på din kommando. Dette konseptet har blitt beste adressert av profesjonell musiker backingspor levert av leverandører som ‘Aebersold’. De er et flott alternativ, men ikke alltid en praktisk en. Hvis du har kjøpt en av disse, og det inkluderer sang, i nøkkelen og stil, og lignende tempo vil du spille det med bandet ditt, da, flott, inkluderer å spille med på det som en del av denne praksisen.Det kan være veldig hyggelig og gjør det mulig å praktisere improvisasjon med aural sjekker på harmoni og form du ellers ikke ville ha. Det er hvis du improviserer over form og slippe en bar eller glemmer en akkord endringen du skal høre det og være i stand til å rette det opp. Et annet godt alternativ er å spille sammen til kunstnere spor av melodi. Si du lærer Autumn Leaves og du har opptak av det av ulike kunstnere i platesamlingen, og deretter spille disse opptakene og spille sammen, ‘følger’ med akkorder av en baseline. Du er i samspill med topp musikere som utvilsomt spiller stykket godt – ingenting du internal det vil være så livløs og skadelig som et klikk-spor. Jeg tror på dette tidspunktet, når du spiller og internal en låt, er det viktig å praktisere det i så mange praksis formater “som mulig – de som tidligere er nevnt, og også, spille alene melodien av seg selv, og deretter melodien og baseline, og deretter spille grunnlinjen og synge melodien, og deretter spille akkorder og synge melodien, og deretter spille akkorder og spille melodien sammen. Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, men er det viktig å praktisere det i så mange ‘praksis formater’ som mulig – som tidligere nevnt, og også spille alene melodien av seg selv, og deretter melodien og grunnlinjen, og deretter spille grunnlinjen og synge melodien, og deretter spille akkorder og synge melodien, og deretter spille akkorder og spille melodien sammen. Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, men er det viktig å praktisere det i så mange ‘praksis formater’ som mulig – som tidligere nevnt, og også spille alene melodien av seg selv, og deretter melodien og grunnlinjen, og deretter spille grunnlinjen og synge melodien, og deretter spille akkorder og synge melodien, og deretter spille akkorder og spille melodien sammen. Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, men Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, men Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, menVil representere formen av stykket, Hvor seksjonene start og slutt, hvor energiendringer som resultat beveger seg fra ‘A’ deler til ‘B’ (eller bro) seksjonene og til middel kor, som er generelt stedet for impro, og også der hvor fire-bar setninger forekomme etc. Hvis dette rhymic tilbake er også realistisk og menneskelig snarere enn metronomisk i sin leveranse og er i rytmisk stil du skal spille stykket du ikke bare har et godt fundament for å lære stykket, men også et enormt hyggelig en også. I hovedsak er det samme argumentet som gikk for å spille sammen med klikk spor: Et klikk spor kan avsløre mange feil du kan ha med måleren og din plassering av akkorder, baseline eller melodi, men det vil også installere en lyddempende av andre rytmiske aspekter som bør skje. Jeg foreslår at du aldri bruke et klikk spor på dette stadiet; heller bruke et backing spor med en ekte følelse av rytme fra lyden av reelle trommeslagere spille ekte trommer i stil vil du spille det og å form av sangen du lærer. Jeg tror dette er en god idé, selv om du utfører i en trommeslager-mindre ensemble. Man kan alltid i tillegg øve på stykket uten å sikkerhets å sikre en kan opprettholde en egen sans for rytme og timing uten backing spor, men det er godt å få en start fra store trommer først. Så, hvordan du får flotte lød menneskelige bakgrunnsspor i musikalsk form av sangen? Det er nå “ Man kan alltid i tillegg øve på stykket uten å sikkerhets å sikre en kan opprettholde en egen sans for rytme og timing uten backing spor, men det er godt å få en start fra store trommer først. Så, hvordan du får flotte lød menneskelige bakgrunnsspor i musikalsk form av sangen? Det er nå “ Man kan alltid i tillegg øve på stykket uten å sikkerhets å sikre en kan opprettholde en egen sans for rytme og timing uten backing spor, men det er godt å få en start fra store trommer først. Så, hvordan du får flotte lød menneskelige bakgrunnsspor i musikalsk form av sangen? Det er nå “Song Rhythm Tracks ”fra Alive Drumming tilby akkurat det …