popüler müzik uygulamasında Rhythm önceliği

, Yeni bir müzik parçasını öğrenirken zaman gerektiği parçasının sağ ritmini ve his alma konusunda bir müzisyen çalışacak mı?

Uzun bunun doğru almak çok ilk şey olmak zorunda inanılan ve onlar istenilen ritmi vardır ve his hiç sürece küçük bir nokta oyun notlar var. Tempo Ancak bütün diğer konudur – hassasiyet için ve daha iyi parça içselleştirmek için belirgin farklı tempoları ezgileri oynarken söylenecek çok şey var.

Zamanlama müzikalite sarsılmaz şudur: “Bir not yanlış zamanda vurulduğunda, bu yanlış bir not”. Hep yapılandırılmış ve ilham verici ritmik desteğini aradı ettik neden en kısa sürede doğru ritimle oynamaya alma olduğunu. Bu sonuçta “yol Şarkı Ritim Tracks “.

Ve müzisyenler tarafından en çok tekrarlanan terimlerinden biri olmasıdır “alıştırma yapar”.   Ben, “Bu değiştirilmiş duydum uygulama yapar kalıcı ”. Demek ki bir şeyi tekrar eğer ve üzeri sonra bunu içselleştirmek yoktur ve biz “bilinçli düşünmeden” sahip bir tesis haline gelir. Bu biz böyle arabalarla ve hatta bir bıçak ve çatal kullanarak kadar bilinçli düşünmeden karmaşık koordineli hareketleri yapabilir nedeni budur. Eğer onlar için çok zor olabilir önce hayatında bunları hiç yapmadım varsa ilk defa bir kere, ama bile artık bir meydan okuma olarak onları tanımıyor, günde bir tane gerçekleştirdi. Aklını tamamen farklı bir parçası göreve atanan sanki. Yani, önemli olan bizim olmasıdırBu tekrarlama tekniği kullanarak hakkında çok seçici ve çünkü emin etkileri bize karşı işe yaramaz hale eğer ne pratik olan yararlı değil o zaman… sadece aynı kolaylıkla içselleştirilmiş alacak. Yani, uygulama olabilir mükemmel hale; Bu olacak sonuçta kalıcı hale, ama bu kalıcılık yardımı yapmanın yanı sıra sizi yenebilir.

müzik canlanıyor yapabilirsiniz budur ve de onu öldürebilir ne – müziğin önemli bir yönü ritmi ve zamanlama. Biz iyi bir ritim ve zamanlama geliştirmek duyması çok önemlidir.

pop, folk, country, caz – – Henüz en modern müzik mevcut olduğunu düzenli nabız alma duyusu gelişmiştir olmadıysanız bir darbe ile birşeyler birlikte oynarken nabız açıkça olacak eksik yerde çünkü büyük bir faydadır gösterilen ve otomatik nabız takip edip zamanlama tutmak için ayarlayacaktır. Büyük: Gerçek bir galibiyet. Benim tavsiye metronomlarla ve tıklama parça kullanımı konusunda çok seçici olmaktır:

Kötüye Metronomes ve tıklama izler zararlıdır kabul

Daima ara çalıştın ve bir grup içinde birlikte oynarken de muhtemel darbe üzerine kendi insan etkileşimi geliştirerek karşı çalışır ve oh-so-düzenli, talepkar tarafından dayak sona ritmik nüansları olumsuz etkisi bir tıklama parçası kullanmayı ‘tık’. Ayrıca, sayım sen ne zaman parazit başkalarıyla bir sorun olacak: gibi sayaç içindeki darbeleri Sayma 1-and-a, 2-and-a, yeni, belki ritmik zorlu melodi öğrenme kesinlikle paha biçilmez yardımcısıdır: duydum deniyor eğer bunu yapamazBu gerçekten bildiğimiz sağlamak için dışarı saymak için harika, ama melodi olduğunu içselleştirmiş bir kez, bunu saymayı bırak ve ritmini hissetmek ve iletişim zamanı: bir melodi ya da dışarı ritmik fikir saymak, gerçekten bilmiyorum başkaları kafanın içinde sayarak onları engellemeden oynuyor. Halk oynama müzik hakkında harika bir şey birlikte, bunun yerine size oynuyorlar diğer insanların bir tıklama parça ile iletişim halinde kaçırmaması veya diğer dinleme yerine kafanın içinde her bar saymak insan etkileşimdir müzisyenler. Ben öyle görür tek değilim: Ben İngiliz müzisyen Jamie Cullum duydum parazit ve kaydederken kullanıldıkları zaman insan çekilmesini ve müziğin akışını kesiyor çünkü o tıklama parça kullanılmasını önler demek .

Nasıl pratik ve reçel için?

Birinci Aşama – Özel Uygulama Erken Başlangıçlar:

İlk kez yeni, belki zorlu, melodi öğrenme ise, özel olarak, size en kısa sürede size, sonra emin, metre saymak DO ve zamanlama kontrol etmek seçici ve makul bir metronom / tıklama parçayı kullanın, ancak Sende var doğruladı ettik, daha iyi ritmik şimdi sınırlar ve geri sana sarılmak metronomu kullanmayı bırakır veya en kısa zamanda click track ve bir kez yardım ne çünkü almak için, söz konusu müzik parçası için tekrar kullanmayın.

Üçüncü Aşama – Jamming veya Diğer Müzisyenler ile gigging:

Daha sonra ikinci kademesine gelecek!   sıkışma veya gigging zaman kafanın içinde sayılmaz. Şimdiye kadar özel muayenehane ile şarkı içselleştirilmiş ve dinleme olumsuz etkisi olacağını başkalarıyla ve sayma ile iletişim kurmak için hazır olması gerekirdi. “Rehberiniz tarafından Melodi istiyorum”.gerçekleştirirken ve doğaçlama yaparken kafanızda melodi varsa bunu saymak gerek kalmadan yer tutmaya yardımcı olacaktır. Ayrıca, melodinin bir duraklama bu konuda yardım için kendi ile melodi ek olduğu yerde. Örneğin, eğer melodi daha sonra gerisi dolduran iki çubuk dinlenme vardır kendi ‘melodi doldurmak’ uyum halinde yer tutmak için melodi kullanarak destekleyecektir. ritim ve zamanlama duygun çok iyi olmadığı sürece diğer oyuncular dinleme ve Bunu bile gerek yok, diğer grup üyeleri ile çok sıkı iken kafanın içinde melodi tutulması az oyalama olacaktır.

İkinci Aşama – başkalarıyla tek başına veya belki Pratiği:

Eğer başkalarıyla oynamak veya asla bile başkaları ile oynamak için önce içselleştirmek düzenli üzerinde melodi oynarken ne yapmalı? İlk olarak, müzik formunun bir fikir edinmek için iyi olurdu, hem de, (ii) uygulamaya iyi olurdu, ve parçanın ritmik bir tarzda, oynarlar. Bir ideal ve gerçekçi olmayan optimum yanında reçel için pratik stüdyoda iyi hazır parça biliyoruz deneyimli müzisyenlerin gerçek bir insan grubu var olacağını düşünüyorum. Onlar da durdurma ve emrinde başlayarak sizi karşılamak gerekir. Bu kavram, en iyi şekilde ‘Aebersold’ olarak satıcılar tarafından sağlanan profesyonel bir müzisyen parçaları yedekleme tarafından ele alınmıştır. Onlar mükemmel bir seçenektir, ancak her zaman değil, pratik bir biridir. , Bunlardan birini satın almış ve bu senin melodi içeriyorsa anahtar ve stil ve benzeri tempo içinde size bant ile oynayacak, ardından, büyük, bu uygulamanın bir parçası olarak kendisine boyunca oynamaya DAHİL yoktur. Gerçekten keyifli olmasını ve bir uyum üzerinde işitsel çekleri ile doğaçlama pratik ve aksi olmazdı oluşturmak için izin verir. Forma üzerinde doğaçlama ve bir bar damla ya Duydunuz gereken bir akor değişim unutup düzeltmek mümkün olmadığını budur.Başka büyük bir seçenek geçimsiz sanatçılar parçaları birlikte oynamak olduğunu. Daha sonra bu kayıtları oynamak ve bir taban çizgisinin akorlarla ‘eşlik’, birlikte oynamak, sen Autumn Leaves öğreniyoruz ve size kayıt koleksiyonunda çeşitli sanatçılar tarafından bunun kayıtları olduğunu varsayalım. Hiç şüphe yok ki iyi bir parça oynayan üst müzisyenler etkileşime – hiçbir şey işe bir tıkla pist gibi cansız ve zarar verici olacaktır içselleştirmek. sonra melodi ve tek başına yalnız melodi çalarak olanlar önce belirtilen ve ayrıca, ve – oynamaya ve bir melodi internalizleş zaman ben, bu zamanda iman, o kadar çok ‘uygulama biçimlerinde’ mümkün olduğunca bunu uygulamaya önemlidir bazal ardından taban çizgisini oynamak ve melodi şarkı, daha sonra akorları oynamak ve melodi şarkı, daha sonra akorları oynamak ve birlikte melodiyi oynarlar. anladınız mı? Eğer duymak ve bunu daha iyi işitsel bilginin olur melodi gerçekleştirmek yollardan daha fazla çeşitlilik. Yani, bu ritim ve zamanlaması hakkında ne yapıyorsun ne zaman? Ben en iyi seçenek dayanak veya akorları ama olmayan bir ritim takviye parça çalmaya sahip olmaktır düşünüyorum Mümkün olduğu kadar çok ‘uygulama biçimlerinde’ bunu uygulamaya önemlidir – bu daha önce belirtilen ve aynı zamanda tek başına yalnız melodi çalarak ve ardından melodi ve bazal ardından akorları oynamak sonra, taban çizgisini oynamak ve melodi şarkı ve sonra, melodi şarkı akorları oynamak ve birlikte melodiyi oynarlar. anladınız mı? Eğer duymak ve bunu daha iyi işitsel bilginin olur melodi gerçekleştirmek yollardan daha fazla çeşitlilik. Yani, bu ritim ve zamanlaması hakkında ne yapıyorsun ne zaman? Ben en iyi seçenek dayanak veya akorları ama olmayan bir ritim takviye parça çalmaya sahip olmaktır düşünüyorum Mümkün olduğu kadar çok ‘uygulama biçimlerinde’ bunu uygulamaya önemlidir – bu daha önce belirtilen ve aynı zamanda tek başına yalnız melodi çalarak ve ardından melodi ve bazal ardından akorları oynamak sonra, taban çizgisini oynamak ve melodi şarkı ve sonra, melodi şarkı akorları oynamak ve birlikte melodiyi oynarlar.anladınız mı? Eğer duymak ve bunu daha iyi işitsel bilginin olur melodi gerçekleştirmek yollardan daha fazla çeşitlilik. Yani, bu ritim ve zamanlaması hakkında ne yapıyorsun ne zaman? Ben en iyi seçenek dayanak veya akorları ama olmayan bir ritim takviye parça çalmaya sahip olmaktır düşünüyorumanladınız mı? Eğer duymak ve bunu daha iyi işitsel bilginin olur melodi gerçekleştirmek yollardan daha fazla çeşitlilik. Yani, bu ritim ve zamanlaması hakkında ne yapıyorsun ne zaman? Ben en iyi seçenek dayanak veya akorları ama olmayan bir ritim takviye parça çalmaya sahip olmaktır düşünüyorumanladınız mı? Eğer duymak ve bunu daha iyi işitsel bilginin olur melodi gerçekleştirmek yollardan daha fazla çeşitlilik. Yani, bu ritim ve zamanlaması hakkında ne yapıyorsun ne zaman? Ben en iyi seçenek dayanak veya akorları ama olmayan bir ritim takviye parça çalmaya sahip olmaktır düşünüyorumbirim biçimini temsil edecekBölümler başlangıç ​​nerede ve sonunda, genel olarak doğaçlama için yer vardır ‘B’ (ya da köprü) bölümlere ve orta koro için ‘A’ bölümler performans hareket ettikçe, enerji değişimi ve hatta dört çubuk ifadeler burada ortaya vb bu rhymic geri ayrıca teslim gerçekçi ve insan ziyade metronomik ve size sadece bir parça edinmek için oldukça iyi bir temel değil, aynı zamanda hem bir derece keyifli bir tane parça oynayacak ritmik bir tarzda ise. Esasen, bu parçaları tıkla boyunca oynamak için gitti aynı argüman var: Bir tıklama iz Eğer metre ve tonların yerleşiminizdeki, referans aralığı veya melodiyle olabilecek birçok hataları maruz bırakabilir, ama aynı zamanda diğer bir geçirmeme özelliği kuracaktır ritmik yönleri oluyor gerektiğini. Ben asla bu aşamada bir tık parçayı kullanmanızı öneririz; daha doğrusu bunu oynayacak tarzda ve öğrenme şarkının forma gerçek davul çalmaya gerçek davulcular sesten ritminin gerçek duygusu olan bir destek parçayı kullanın. Bunun bir davulcu-az topluluk içinde gerçekleştirmek bile iyi bir fikir olduğunu düşünüyorum. Bir her zaman ek bir arka parça olmadan ritim ve zamanlama kişinin kendi duygusu korumak sağlamak için destek olmadan parçasını uygulama olabilir, ama ilk büyük davul bir başlangıç ​​yapmak iyidir. Yani, nasıl şarkının müzik formunda büyük sondaj insan destek parçalarına sahip olma? Şimdi var ” Bir her zaman ek bir arka parça olmadan ritim ve zamanlama kişinin kendi duygusu korumak sağlamak için destek olmadan parçasını uygulama olabilir, ama ilk büyük davul bir başlangıç ​​yapmak iyidir. Yani, nasıl şarkının müzik formunda büyük sondaj insan destek parçalarına sahip olma? Şimdi var ” Bir her zaman ek bir arka parça olmadan ritim ve zamanlama kişinin kendi duygusu korumak sağlamak için destek olmadan parçasını uygulama olabilir, ama ilk büyük davul bir başlangıç ​​yapmak iyidir. Yani, nasıl şarkının müzik formunda büyük sondaj insan destek parçalarına sahip olma? Şimdi var “Şarkı Ritim Tracks tam olarak bu sağlayarak Alive Drumming dan”…

อันดับหนึ่งของจังหวะในการฝึกซ้อมเพลงยอดนิยม

เมื่อเรียนรู้ชิ้นใหม่ของเพลงเมื่อควรทำงานเป็นนักดนตรีที่ได้รับสิทธิที่จังหวะและความรู้สึกของชิ้น?

ผมมีความเชื่อยาวมันจะต้องมีสิ่งแรกที่จะได้รับสิทธิและมีน้อยบันทึกจุดที่ทุกคนเล่นจนกว่าพวกเขาจะอยู่ในจังหวะที่ต้องการและความรู้สึก Tempo แต่เป็นทั้งเรื่องอื่น ๆ – มีจำนวนมากจะกล่าวว่าสำหรับความแม่นยำและแม้แต่การเล่นเพลงในจังหวะที่แตกต่างกันอย่างเห็นได้ชัดในการ internalize ชิ้นที่ดีกว่า

เวลาเป็นรากฐานของดนตรีที่ว่า“เมื่อทราบจะหลงในเวลาที่ผิดมันเป็นบันทึกที่ไม่ถูกต้อง” ได้รับเล่นในจังหวะที่เหมาะสมโดยเร็วที่สุดเท่าที่เป็นไปได้คือเหตุผลที่ผมได้ขอออกเสมอมีโครงสร้างและสร้างแรงบันดาลใจการสนับสนุนจังหวะ ในท้ายที่สุดนี้นำไปสู่การ“ เพลงจังหวะเพลง

หนึ่งในแง่ซ้ำมากที่สุดและโดยนักดนตรีก็คือ“การทำให้สมบูรณ์”   ผมเคยได้ยินนี้เปลี่ยนแปลงไป“ การทำให้ถาวร ” เช่นถ้าเราทำซ้ำสิ่งที่มากกว่าและเหนือแล้วเราไม่ internalize มันและมันจะกลายเป็นสิ่งอำนวยความสะดวกเรามี“โดยไม่ต้องมีสติคิดเกี่ยวกับมัน” นี่คือเหตุผลที่เราสามารถทำได้เคลื่อนไหวประสานงานที่ซับซ้อนโดยไม่คิดมีสติมากเช่นการขับรถรถยนต์และแม้กระทั่งการใช้มีดและส้อม ถ้าคุณไม่เคยทำสิ่งเหล่านี้ในชีวิตของคุณก่อนที่จะสามารถเป็นสิ่งที่ท้าทายมากสำหรับครั้งแรกแต่เมื่อดำเนินการทุกวันหนึ่งไม่ได้รู้จักพวกเขาเป็นความท้าทายอีกต่อไป มันเหมือนกับว่าเป็นส่วนหนึ่งที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากใจของคุณจะได้รับมอบหมายงาน ดังนั้นสิ่งที่สำคัญคือว่าเราเป็นเลือกมากเกี่ยวกับการใช้เทคนิคการทำซ้ำนี้และให้แน่ใจว่าผลกระทบมันไม่ได้ทำงานกับเราเพราะถ้าสิ่งที่เรามีการฝึกไม่เป็นประโยชน์แล้วจะได้รับการ internalized เช่นเดียวกับที่ได้อย่างง่ายดาย … ดังนั้นการปฏิบัติที่สามารถทำให้สมบูรณ์ มันจะที่สุดทำให้ถาวร แต่คงทนที่สามารถเอาชนะคุณรวมทั้งช่วยให้คุณ

ลักษณะสำคัญของเพลงเป็นจังหวะและระยะเวลา – มันเป็นสิ่งที่สามารถทำเพลงมามีชีวิตอยู่และมันเป็นสิ่งที่สามารถฆ่ามันได้เป็นอย่างดี มันเป็นสิ่งสำคัญที่เราพัฒนาจังหวะที่ดีและระยะเวลา

หากคุณยังไม่ได้รับการพัฒนาความรู้สึกของชีพจรปกติที่เป็นปัจจุบันมากที่สุดในเพลงที่ทันสมัย ​​- ป๊อปพื้นบ้านประเทศแจ๊ส – เล่นไปพร้อมกับสิ่งที่มีชีพจรเป็นประโยชน์มากเพราะทุกที่ชีพจรของคุณจะขาดมันจะเป็นอย่างเห็นได้ชัด แสดงให้เห็นและคุณจะปรับให้เป็นไปตามการเต้นของชีพจรและให้เวลา ดี: นั่นคือการชนะที่แท้จริง คำแนะนำของฉันคือการที่จะเลือกมากเกี่ยวกับการใช้ metronomes และคลิกแทร็คนี้:

ในทางที่ผิดของ metronomes และคลิกแทร็คที่ถือว่าเป็นอันตราย

มักจะใช้การคลิกติดตามเมื่อคุณฝึกและเมื่อเล่นกันในกลุ่มที่มีแนวโน้มที่จะทำงานกับการพัฒนาปฏิสัมพันธ์ของมนุษย์ของคุณเองในการเต้นของชีพจรและบิดเบือนจากความแตกต่างจังหวะที่จบลงด้วยการถูกทำร้ายโดยเรียกร้องโอ้ดังปกติ ‘คลิก’ นอกจากนี้นับเมื่อคุณกำลังติดขัด กับคนอื่น ๆจะเป็นปัญหา: การนับพัภายในเมตรเช่น 1 และที่ 2 และเป็นผู้ช่วยที่ทรงคุณค่าอย่างยิ่งเมื่อการเรียนรู้ใหม่อาจจะเป็นจังหวะที่ท้าทายทำนอง: ผมเคยได้ยินก็กล่าวว่าถ้าคุณไม่สามารถนับทำนองหรือความคิดจังหวะออกคุณไม่ทราบจริงๆมัน: มันเป็นเรื่องใหญ่ที่จะนับมันออกมาเพื่อให้แน่ใจว่าเราจะรู้ว่าจริงๆมัน แต่เมื่อคุณได้ internalized ว่าทำนองเพลงก็ถึงเวลาที่จะหยุดนับมันและรู้สึกจังหวะและสื่อสารกับ คนอื่น ๆ ที่คุณกำลังเล่นกับโดยไม่ปิดกั้นพวกเขาออกโดยการนับในหัวของคุณ สิ่งที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับการเล่นดนตรีพื้นบ้านร่วมกันเป็นปฏิสัมพันธ์ของมนุษย์ที่คุณพลาดในถ้าคุณกำลังสื่อสารด้วยการคลิกติดตามแทนของมนุษย์คนอื่น ๆ ที่คุณกำลังเล่นกับหรือนับจากบาร์ในหัวของคุณทุกแทนการฟังที่อื่น ๆ นักดนตรี ฉันไม่ได้เป็นคนเดียวที่เห็นว่าวิธีนี้ผมเคยได้ยินนักดนตรีอังกฤษ Jamie Cullum บอกว่าเขาหลีกเลี่ยงการใช้คลิกแทร็คเมื่อติดขัดและการบันทึกเพราะมันจะไปลดลงของมนุษย์และการไหลของเพลงเมื่อพวกเขาจะใช้ .

วิธีการปฏิบัติและแยม?

ขั้นตอนที่หนึ่ง – จุดเริ่มต้นในช่วงต้นของการปฏิบัติส่วนตัว:

หากคุณกำลังเรียนรู้ใหม่ที่อาจจะมีความท้าทายทำนองเพลงเป็นครั้งแรกในการปฏิบัติส่วนตัวแล้วมั่นใจว่าไม่นับเมตรและใช้จังหวะ / คลิกติดตามการคัดเลือกและรอบคอบในการตรวจสอบเวลาของคุณ แต่ทันทีที่คุณ ‘ve ยืนยันคุณได้มันหยุดใช้จังหวะหรือคลิกติดตามโดยเร็วและไม่ได้ใช้มันอีกครั้งสำหรับชิ้นส่วนของเพลงที่เพราะสิ่งที่ครั้งหนึ่งเคยช่วยงานคุณจะได้รับที่ดีกว่าจังหวะในขณะนี้จะ จำกัด คุณและถือคุณกลับ

ขั้นตอนที่สาม – ติดขัดหรือ gigging กับนักดนตรีอื่น ๆ :

เราจะมาถึงสองขั้นตอนในภายหลัง!   เมื่อติดขัดหรือ gigging ไม่นับในหัวของคุณ ตอนนี้คุณควรจะได้ internalized เพลงโดยการปฏิบัติส่วนตัวและพร้อมที่จะสื่อสารกับผู้อื่นและการนับจะเบี่ยงเบนจากการฟัง “ปล่อยให้ Melody โดยคำแนะนำของคุณ” ถ้าคุณมีทำนองเพลงในใจของคุณในขณะที่การแสดงและทันควันว่ามันจะช่วยให้คุณให้สถานที่โดยไม่จำเป็นต้องนับใด ๆ นอกจากนี้ที่มีการหยุดการทำงานชั่วคราวในทำนองเสริมทำนองด้วยตัวคุณเองที่จะช่วยให้กับเรื่องนี้ ตัวอย่างเช่นถ้าเพลงมีส่วนที่เหลือสองบาร์แล้วเติมส่วนที่เหลือที่มีของคุณเอง ‘เติมทำนองจะสนับสนุนการใช้ทำนองที่จะให้สถานที่ในการปรับแต่ง การรักษาทำนองในหัวของคุณจะเป็นสิ่งที่ทำให้ไขว้เขวอย่างน้อยในขณะที่ฟังผู้เล่นอื่น ๆ เว้นแต่ความรู้สึกของจังหวะและเวลาเป็นสิ่งที่ดีมากและคุณให้แน่นด้วยสมาชิกวงอื่น ๆ ที่คุณไม่จำเป็นต้องแม้กระทั่งว่า

ขั้นที่สอง – การฝึกคนเดียวหรืออาจจะมีคนอื่น ๆ :

จะทำอย่างไรเมื่อคุณกำลังเล่นเพลงมากกว่าอย่างสม่ำเสมอเพื่อ internalize มันก่อนที่จะเล่นกับคนอื่น ๆ หรือแม้กระทั่งถ้าคุณไม่ได้รับที่จะเล่นกับคนอื่น ๆ ? ประการแรกก็จะดีที่จะได้รับความรู้สึกของรูปแบบของเพลงและยัง (ii) มันจะดีในการฝึกและเล่นในสไตล์จังหวะของชิ้น ผมคิดว่าเหมาะและไม่สมจริงที่เหมาะสมจะมีวงดนตรีของมนุษย์ที่แท้จริงของนักดนตรีที่มีประสบการณ์ที่รู้ว่าชิ้นเดียวพร้อมในสตูดิโอการปฏิบัติของคุณจะติดขัดไปพร้อมกับ พวกเขายังจะต้องรองรับคุณโดยการหยุดและเริ่มต้นที่คำสั่งของคุณแนวคิดที่ได้รับการแก้ไขที่ดีที่สุดโดยนักดนตรีมืออาชีพสนับสนุนแทร็คที่จัดทำโดยผู้ขายเช่น ‘Aebersold’ พวกเขาเป็นตัวเลือกที่ดี แต่ไม่เคยปฏิบัติอย่างใดอย่างหนึ่ง หากคุณเคยซื้อหนึ่งของเหล่านี้และจะมีการปรับแต่งของคุณ ในจังหวะที่สำคัญและมีสไตล์และที่คล้ายกันคุณจะเล่นกับวงดนตรีของคุณแล้วดีไม่รวมถึงการเล่นพร้อมที่จะเป็นส่วนหนึ่งของการปฏิบัตินี้ มันอาจจะเป็นที่สนุกสนานจริงๆและช่วยให้หนึ่งในการฝึกการปรับตัวกับการตรวจสอบเกี่ยวกับหูในความสามัคคีและรูปแบบที่คุณจะไม่เป็นอย่างอื่นได้ นั่นคือถ้าคุณโพล่งมากกว่ารูปแบบและวางบาร์หรือลืมการเปลี่ยนแปลงคอร์ดที่คุณควรทราบว่าและสามารถที่จะแก้ไขให้ถูกต้อง อีกหนึ่งทางเลือกที่ดีคือการเล่นพร้อมศิลปินแทร็คของเพลง สมมติว่าคุณกำลังเรียนรู้ Autumn Leaves และคุณมีการบันทึกได้โดยศิลปินต่าง ๆ ในการเก็บบันทึกของคุณแล้วเล่นบันทึกเหล่านั้นและเล่นพร้อม ‘ที่มาพร้อมกับ’ กับคอร์ดของพื้นฐาน คุณกำลังมีปฏิสัมพันธ์กับนักดนตรีชั้นนำที่ได้รับไม่ต้องสงสัยเล่นชิ้นดี – ไม่มีอะไรที่คุณ internalize จะมีเป็นชีวิตชีวาและสร้างความเสียหายเป็นคลิกติดตาม ผมเชื่อว่าในเวลานี้เมื่อคุณกำลังเล่นและ internalising ปรับแต่งมันเป็นสิ่งสำคัญที่จะปฏิบัติได้ในหลาย ๆ เป็น ‘รูปแบบการปฏิบัติ’ เป็นไปได้ – ที่ระบุไว้ก่อนหน้านี้และยังเล่นคนเดียวทำนองด้วยตัวเองแล้วทำนองและ พื้นฐานแล้วเล่นพื้นฐานและร้องเพลงเพลงแล้วเล่นคอร์ดและร้องเพลงเพลงแล้วเล่นคอร์ดและเล่นเพลงด้วยกัน คุณจะได้รับความคิด? ความหลากหลายมากขึ้นของวิธีที่คุณได้ยินและดำเนินการปรับแต่งที่ดีกว่าความรู้เกี่ยวกับหูของคุณมันจะกลายเป็น ดังนั้นสิ่งที่เกี่ยวกับจังหวะและช่วงเวลาเมื่อคุณจะทำเช่นนี้? ผมคิดว่าเป็นตัวเลือกที่ดีที่สุดคือการมีการเล่นจังหวะการสนับสนุนที่ไม่ได้มีพื้นฐานหรือคอร์ด แต่ มันเป็นสิ่งสำคัญที่จะปฏิบัติได้ในหลาย ๆ เป็น ‘รูปแบบการปฏิบัติ’ เป็นไปได้ – ที่ระบุไว้ก่อนหน้านี้และยังเล่นคนเดียวทำนองด้วยตัวเองแล้วทำนองและพื้นฐานแล้วเล่นพื้นฐานและร้องเพลงเพลงแล้วเล่นคอร์ด และร้องเพลงเพลงแล้วเล่นคอร์ดและเล่นเพลงด้วยกัน คุณจะได้รับความคิด? ความหลากหลายมากขึ้นของวิธีที่คุณได้ยินและดำเนินการปรับแต่งที่ดีกว่าความรู้เกี่ยวกับหูของคุณมันจะกลายเป็น ดังนั้นสิ่งที่เกี่ยวกับจังหวะและช่วงเวลาเมื่อคุณจะทำเช่นนี้? ผมคิดว่าเป็นตัวเลือกที่ดีที่สุดคือการมีการเล่นจังหวะการสนับสนุนที่ไม่ได้มีพื้นฐานหรือคอร์ด แต่ มันเป็นสิ่งสำคัญที่จะปฏิบัติได้ในหลาย ๆ เป็น ‘รูปแบบการปฏิบัติ’ เป็นไปได้ – ที่ระบุไว้ก่อนหน้านี้และยังเล่นคนเดียวทำนองด้วยตัวเองแล้วทำนองและพื้นฐานแล้วเล่นพื้นฐานและร้องเพลงเพลงแล้วเล่นคอร์ด และร้องเพลงเพลงแล้วเล่นคอร์ดและเล่นเพลงด้วยกัน คุณจะได้รับความคิด? ความหลากหลายมากขึ้นของวิธีที่คุณได้ยินและดำเนินการปรับแต่งที่ดีกว่าความรู้เกี่ยวกับหูของคุณมันจะกลายเป็นดังนั้นสิ่งที่เกี่ยวกับจังหวะและช่วงเวลาเมื่อคุณจะทำเช่นนี้? ผมคิดว่าเป็นตัวเลือกที่ดีที่สุดคือการมีการเล่นจังหวะการสนับสนุนที่ไม่ได้มีพื้นฐานหรือคอร์ด แต่ คุณจะได้รับความคิด? ความหลากหลายมากขึ้นของวิธีที่คุณได้ยินและดำเนินการปรับแต่งที่ดีกว่าความรู้เกี่ยวกับหูของคุณมันจะกลายเป็น ดังนั้นสิ่งที่เกี่ยวกับจังหวะและช่วงเวลาเมื่อคุณจะทำเช่นนี้? ผมคิดว่าเป็นตัวเลือกที่ดีที่สุดคือการมีการเล่นจังหวะการสนับสนุนที่ไม่ได้มีพื้นฐานหรือคอร์ด แต่ คุณจะได้รับความคิด? ความหลากหลายมากขึ้นของวิธีที่คุณได้ยินและดำเนินการปรับแต่งที่ดีกว่าความรู้เกี่ยวกับหูของคุณมันจะกลายเป็น ดังนั้นสิ่งที่เกี่ยวกับจังหวะและช่วงเวลาเมื่อคุณจะทำเช่นนี้? ผมคิดว่าเป็นตัวเลือกที่ดีที่สุดคือการมีการเล่นจังหวะการสนับสนุนที่ไม่ได้มีพื้นฐานหรือคอร์ด แต่จะเป็นตัวแทนของรูปแบบของชิ้นที่ส่วนเริ่มต้นและสิ้นสุดที่การเปลี่ยนแปลงพลังงานเป็นย้ายประสิทธิภาพจาก ‘A’ ส่วนที่ ‘B’ (หรือสะพาน) ส่วนและลูกคู่กลางซึ่งโดยทั่วไปจะมีสถานที่สำหรับ improvisations และแม้กระทั่งที่วลีสี่บาร์เกิดขึ้น ฯลฯ หาก rhymic นี้กลับมาก็ยังเป็นเหมือนจริงและมนุษย์มากกว่า metronomic ในการส่งมอบและอยู่ในรูปแบบจังหวะคุณจะเล่นชิ้นที่คุณไม่เพียง แต่มีรากฐานที่ดีสำหรับการเรียนรู้ชิ้น แต่ยังเป็นที่สนุกสนานอย่างมหาศาลหนึ่งเช่นกัน โดยพื้นฐานแล้วมันเป็นอาร์กิวเมนต์เดียวกันที่ไปสำหรับการเล่นพร้อมที่จะคลิกแทร็ค: การคลิกติดตามอาจเปิดเผยความผิดพลาดมากมายที่คุณอาจจะมีกับเมตรและตำแหน่งของคุณคอร์ด, พื้นฐานหรือทำนองเพลงของคุณ แต่ก็ยังจะติดตั้งระงับของอื่น ๆ ด้านจังหวะที่ควรจะเกิดขึ้น ผมขอแนะนำให้ไม่เคยใช้คลิกติดตามในขั้นตอนนี้; แทนที่จะใช้การสนับสนุนด้วยความรู้สึกที่แท้จริงของจังหวะจากเสียงกลองจริงเล่นกลองจริงในรูปแบบที่คุณจะเล่นมันและรูปแบบของเพลงที่คุณกำลังเรียนรู้ ผมคิดว่านี่เป็นความคิดที่ดีแม้ว่าคุณจะดำเนินการในวงมือกลองน้อย หนึ่งสามารถเสมอนอกจากนี้การปฏิบัติชิ้นโดยไม่ต้องสำรองเพื่อให้แน่ใจว่าเราสามารถรักษาความรู้สึกของตัวเองหนึ่งจังหวะและระยะเวลาโดยไม่ต้องติดตามการสนับสนุน แต่มันเป็นเรื่องดีที่จะได้รับการเริ่มต้นจากการตีกลองที่ดีเป็นครั้งแรก ดังนั้นวิธีการที่จะได้รับเสียงสนับสนุนเพลงของมนุษย์ที่ดีในรูปแบบดนตรีของเพลงของคุณหรือไม่ ขณะนี้มี“ หนึ่งสามารถเสมอนอกจากนี้การปฏิบัติชิ้นโดยไม่ต้องสำรองเพื่อให้แน่ใจว่าเราสามารถรักษาความรู้สึกของตัวเองหนึ่งจังหวะและระยะเวลาโดยไม่ต้องติดตามการสนับสนุน แต่มันเป็นเรื่องดีที่จะได้รับการเริ่มต้นจากการตีกลองที่ดีเป็นครั้งแรก ดังนั้นวิธีการที่จะได้รับเสียงสนับสนุนเพลงของมนุษย์ที่ดีในรูปแบบดนตรีของเพลงของคุณหรือไม่ ขณะนี้มี“ หนึ่งสามารถเสมอนอกจากนี้การปฏิบัติชิ้นโดยไม่ต้องสำรองเพื่อให้แน่ใจว่าเราสามารถรักษาความรู้สึกของตัวเองหนึ่งจังหวะและระยะเวลาโดยไม่ต้องติดตามการสนับสนุน แต่มันเป็นเรื่องดีที่จะได้รับการเริ่มต้นจากการตีกลองที่ดีเป็นครั้งแรก ดังนั้นวิธีการที่จะได้รับเสียงสนับสนุนเพลงของมนุษย์ที่ดีในรูปแบบดนตรีของเพลงของคุณหรือไม่ ขณะนี้มี“เพลงจังหวะแทร็ค ” จากชีวิตกลองให้ตรงนั้น …

Företräde Rhythm att utöva populärmusik

När lära sig ett nytt musikstycke, när ska en musiker arbete på att få rätt rytm och känsla av pjäsen?

Jag har länge trott att det måste vara det allra första att få rätt och det finns föga meningsfullt att spela noter alls om de inte är i önskad takt och känsla. Tempo är dock helt annat ämne – det finns en hel del som talar för precision och även spela låtar på markant olika tempo att internalisera pjäsen bättre.

Timing är grunden för musikalitet ”När ett meddelande träffas vid fel tidpunkt, det är fel not”. Att få spela i rätt rytm så snart som möjligt är därför jag har alltid sökt upp strukturerad och inspirerande rytmisk uppbackning. Detta leder i slutändan till ” Song Rytm Tracks ”.

En av de mest upprepade villkor för och av musiker är att ”övning ger färdighet”.   Jag har hört detta ändras för att ” övning ger permanent ”. det vill säga om vi upprepa en sak om och om då vi internalisera det och det blir en anläggning vi har ”utan att medvetet tänka på det”. Det är därför vi kan göra komplexa koordinerade rörelser utan mycket medveten tanke som kör bilar och även med hjälp av en kniv och gaffel. Om du aldrig har gjort dessa saker i ditt liv innan de kan vara mycket utmanande för allra första gången , men när utförs dagligen man inte ens känner igen dem som en utmaning längre. Det är som om en helt annan del av ditt sinne tilldelas uppgiften. Så, vad är viktigt är att vi ärmycket selektiv om hur du använder denna upprepning teknik och se till att det effekter fungerar inte mot oss eftersom om det vi tränar är inte bra det kommer att få intern lika lätt …. Så praktiken kan göra perfekt; Det kommer så småningom att göra permanent, men det permanent kan besegra dig samt hjälpa dig.

En viktig aspekt av musik är rytm och timing – det är vad som kan göra musik levande, och det är vad som kan döda det också. Det är viktigt att vi utvecklar bra rytm och timing.

Om du ännu inte har utvecklat känslan av att regelbunden puls som förekommer i de flesta moderna musik – pop, folk, country, jazz – spela tillsammans till något med en puls är en stor fördel eftersom varhelst din puls saknas kommer det att vara klart visas och du kommer automatiskt justera för att följa pulsen och hålla timing. Stort: ​​Det är en verklig vinst. Min rekommendation är att vara mycket selektiv om användningen av Metronomer och klickspår:

Missbruk av Metronomer och klicka spår anses skadligt

Alltid med hjälp av en klick spår när du tränar och även när man spelar tillsammans i en grupp kommer sannolikt att arbeta mot att utveckla en egen mänsklig interaktion på pulsen och förringa de rytmiska nyanser som hamna slagen ut av den krävande, ack så vanliga , ‘klick’. Dessutom räknar när dufastnar med andra kommer att bli ett problem: Räkna pulserna inom mätaren, såsom 1-and-a, 2-and-a, är en absolut ovärderlig hjälp när man lär sig en ny, kanske rytmiskt utmanande melodi: jag har hört sägas att om du inte kanräkna en melodi eller rytmisk idé ut, behöver du inte riktigt vet det: Det är bra att räkna ut att säkerställa att vi verkligen vet det, men när du har internaliserat det melodi, är det dags att sluta räkna den och känna rytmen och kommunicera med de andra du spelar med utan att blockera dem genom att räkna i huvudet. Det underbara folk spelar musik tillsammans är mänsklig interaktion som du miste om om du kommunicerar med en klick-track i stället för andra människor du spelar med, eller räkna ut varje bar i huvudet i stället för att lyssna på den andra musiker. Jag är inte den enda som ser det så här: Jag har hört den brittiska musikern Jamie Cullum säger att han undviker användningen av klickspår när störning och inspelning eftersom det tar bort den mänskliga ebb och flödet av musik när de används .

Hur man tränar och sylt?

Steg ett – första början av Private Practice:

Om du lär dig ett nytt, kanske utmanande, melodi för första gången, i privat praktik, då säker, räkna ut mätaren och använd en metronom / click-track selektivt och omdömesgillt att kontrollera din timing, men så snart du har bekräftat att du har det, sluta använda metronomen eller klicka spår ASAP och inte använda den igen för att musikstycke, eftersom det var en gång att få dig att bli bättre rytm kommer nu begränsar dig och hålla dig tillbaka.

Etapp tre – Störnings eller gigging med andra musiker:

Vi kommer att arrangera två senare!   När störning eller gigging, räknas inte i huvudet. Vid det här laget bör du ha internaliserat sång av privat praktik och vara redo att kommunicera det med andra och räkna kommer förringa lyssna. ”Låt Melody av din guide”. Om du har melodin i ditt sinne när de utför och improvisera det kommer att hjälpa dig att hålla plats utan att behöva räkna. Även där det finns en paus i melodin komplettera melodin med ditt eget att hjälpa till med detta. Till exempel, om melodin har två bar vila sedan fylla den vila med din egen ‘fylla melodi’ kommer att stödja använda melodin att hålla platsen i samklang. Att hålla melodin i huvudet kommer att vara minst distraktion medan du lyssnar på de andra spelarna inte din känsla för rytm och timing är så bra och du är så tätt med de andra bandmedlemmarna som du behöver inte ens det.

Steg två – Öva ensam eller kanske med andra:

Vad göra när du spelar melodin över regelbundet för att internalisera det innan du spelar den med andra, eller även om du aldrig får spela med andra? För det första skulle det vara bra att få en känsla av form av musik, och även (ii) det skulle vara bra att träna och spela i rytmiska stil av verket. Jag tror att en ideal, och orealistiskt, optimalt skulle vara att ha en riktig människa band av erfarna musiker som känner pjäsen väl klar i praktiken studion för att fastna med till. De kommer också att behöva ta emot dig genom att stoppa och starta på ditt kommando. Detta begrepp har bäst hanteras av professionella musiker backing tracks som tillhandahålls av leverantörer som ‘Aebersold’. De är ett bra alternativ, men inte alltid en praktisk. Om du har köpt en av dessa, och det inkluderar din melodi, i nyckeln och stil och liknande tempo du kommer att spela det med ditt band, då stora, inkluderar spela tillsammans med det som en del av denna praxis. Det kan vara riktigt roligt och gör att man kan öva improvisation med fonetiska kontroller av harmoni och bilda dig annars inte skulle ha. Det är om du improviserar över formen och släppa en bar eller glömmer ett ackord förändring du ska höra det och kunna rätta till det. Ett annat bra alternativ är att spela tillsammans med konstnärer spår i låten. Säg att du lär Autumn Leaves och du har inspelningar av det av olika artister i skivsamling, sedan spela dessa inspelningar och spela tillsammans, ‘medföljande’ med ackord av en baslinje. Du interagerar med toppmusiker som utan tvekan spelar pjäsen väl – ingenting du internalisera det kommer att bli så livlöst och skadligt som ett klick-track. Jag tror på den här tiden, när du spelar och internalisera en melodi, är det viktigt att praktisera det i så många ‘övningsformat’ som möjligt – de som tidigare nämnts och även spelar ensam melodin av sig själv, och sedan melodin och baslinje, sedan spela baslinjen och sjunga melodin, sedan spela ackord och sjunga melodin, sedan spela ackord och spela melodin tillsammans. Får du idén? Ju mer olika sätt du hör och utför ett belopp desto bättre ljud kunskap om det blir. Så, hur rytm och timing när du gör detta? Jag tror att det bästa alternativet är att ha en rytm uppbackning spår spelas som inte har baslinjen eller ackord men Det är viktigt att träna det i så många ‘praxis format’ som möjligt – de som tidigare nämnts och även spelar ensam melodin av sig själv, och sedan melodi och baslinjen, sedan spela baslinjen och sjunga melodin, sedan spela ackorden och sjunga melodin, sedan spela ackord och spela melodin tillsammans. Får du idén? Ju mer olika sätt du hör och utför ett belopp desto bättre ljud kunskap om det blir. Så, hur rytm och timing när du gör detta? Jag tror att det bästa alternativet är att ha en rytm uppbackning spår spelas som inte har baslinjen eller ackord men Det är viktigt att träna det i så många ‘praxis format’ som möjligt – de som tidigare nämnts och även spelar ensam melodin av sig själv, och sedan melodi och baslinjen, sedan spela baslinjen och sjunga melodin, sedan spela ackorden och sjunga melodin, sedan spela ackord och spela melodin tillsammans. Får du idén? Ju mer olika sätt du hör och utför ett belopp desto bättre ljud kunskap om det blir. Så, hur rytm och timing när du gör detta? Jag tror att det bästa alternativet är att ha en rytm uppbackning spår spelas som inte har baslinjen eller ackord men Får du idén? Ju mer olika sätt du hör och utför ett belopp desto bättre ljud kunskap om det blir. Så, hur rytm och timing när du gör detta? Jag tror att det bästa alternativet är att ha en rytm uppbackning spår spelas som inte har baslinjen eller ackord men Får du idén? Ju mer olika sätt du hör och utför ett belopp desto bättre ljud kunskap om det blir. Så, hur rytm och timing när du gör detta? Jag tror att det bästa alternativet är att ha en rytm uppbackning spår spelas som inte har baslinjen eller ackord menKommer att representera formen av pjäsen, Där sektionerna börjar och slutar, där energiändringar som prestanda rör sig från ‘A’ sektioner till ‘B’ (eller bryggan) sektioner och till mellan körer, vilka i allmänhet är platsen för improvisationer, och även där fyra-bar fraser inträffar etc. Om detta rhymic ryggen är också levande och mänsklig snarare än metronom i sin leverans och är i rytmiska stil du kommer att spela den del du inte bara har en bra grund för att lära sig pjäs, men också en enormt trevlig en också. I huvudsak är det samma argument som gick för att spela tillsammans för att klicka spår: Ett klick spår kan utsätta många fel som du kan ha med mätaren och placeringen av ackorden, din baslinjen eller melodi, men det kommer även att installera en dödande av andra rytmiska aspekter som bör hända. Jag föreslår aldrig att använda ett klick spår i detta skede; hellre använda ett underlag spår med en riktig känsla för rytm från audio av verkliga trummisar spelar riktiga trummor i den stil du kommer att spela den och i form av låten du lär dig. Jag tror att detta är en bra idé, även om du utför i en trummis mindre ensemble. Man kan alltid dessutom öva stycke utan stöd för att säkerställa en kan upprätthålla sin egen känsla för rytm och timing utan uppbackning spår, men det är bra att få en start från stora trummor först. Så, hur man får stora klingande mänsklig backing tracks i musikalisk form av din låt? Det finns nu ” Man kan alltid dessutom öva stycke utan stöd för att säkerställa en kan upprätthålla sin egen känsla för rytm och timing utan uppbackning spår, men det är bra att få en start från stora trummor först. Så, hur man får stora klingande mänsklig backing tracks i musikalisk form av din låt? Det finns nu ” Man kan alltid dessutom öva stycke utan stöd för att säkerställa en kan upprätthålla sin egen känsla för rytm och timing utan uppbackning spår, men det är bra att få en start från stora trummor först. Så, hur man får stora klingande mänsklig backing tracks i musikalisk form av din låt? Det finns nu ”Song Rhythm Band ”från Alive Drumming ger just det …

Forrang Rhythm i å praktisere populærmusikk

Når lære et nytt stykke musikk, da bør en musiker arbeidet med å få rett rytmen og følelsen av stykket?

Jeg har lenge trodd det må være den aller første til å få rett, og det er liten vits å spille notene i det hele tatt med mindre de er i ønsket rytme og føler. Tempo, er imidlertid helt annen gjenstand – det er mye å si for presisjon og selv spiller låter på markert forskjellige tempi å internal stykket bedre.

Timing er grunnfjellet av musikalitet: “Når et notat er truffet på feil tid, det er feil note”. Å få spille i riktig rytme så snart som mulig er derfor jeg har alltid søkt ut strukturert og inspirerende rytmisk backing. Dette til slutt føre til “ Song Rhythm Tracks “.

En av de mest gjentatte vilkår til og med musikere er at “øvelse gjør mester”.   Jeg har hørt dette endret til “ øvelse gjør permanent ”. dvs. hvis vi gjentar en ting om og om igjen så vi internal det, og det blir et anlegg vi har “uten bevisst å tenke på det”. Dette er grunnen til at vi kan gjøre komplekse koordinerte bevegelser uten mye bevisst tanke som kjører biler, og selv med en kniv og gaffel. Hvis du aldri har gjort disse tingene i livet ditt før de kan være svært utfordrende for aller første gang , men når utføres daglig man ikke engang kjenner dem som en utfordring lenger. Det er som om en helt annen del av hjernen din er tildelt oppgaven. Så, hva er viktig er at vi erveldig selektiv om å bruke denne gjentakelsen teknikk og sørge for at det effektene fungerer ikke mot oss fordi hvis det vi øver er ikke gunstig da vil det bli internalisert like lett …. Så praksis kan gjøre perfekt; Det vil etter hvert gjøre permanent, men permanency kan beseire deg samt hjelpe deg.

En sentral del av musikken er rytme og timing – det er hva som kan gjøre musikken levende, og det er det som kan drepe det også. Det er viktig at vi utvikler god rytme og timing.

Hvis du ennå ikke har utviklet den forstand at regelmessig puls som er til stede i de fleste moderne musikk – pop, folk, country, jazz – å spille med på noe med en puls er en stor fordel, fordi uansett hvor pulsen mangler det vil være klart vist og du vil automatisk justere for å følge pulsen og holde timing.Stor: Det er en reell seier. Min anbefaling er å være veldig selektiv om bruk av metronomer og klikk-spor:

Misbruk av metronomer og klikk spor anses som skadelig

Alltid bruker en klikk-spor når du øver, og også når du spiller sammen i en gruppe vil sannsynligvis virke mot å utvikle din egen menneskelig samhandling på pulsen og avlede oppmerksomheten fra de rytmiske nyanser som ender opp med å bli slått ut av den krevende, oh-så-vanlig , ‘klikk’. Også tellernår du er jamming med andre vil være et problem: Telle pulsene i meter, slik som en-og-en, to-og-en, er en helt uvurderlig hjelpemiddel når man lærer en ny, kanskje rytmisk utfordrende melodi: jeg har hørt det sagt at hvis du ikke kantelle en melodi eller rytmisk ideen ut, trenger du egentlig ikke vet det: Det er flott å regne det ut for å sikre at vi egentlig vet det, men når du har internalisert som melodi, er det på tide å slutte å telle det og føle rytmen og kommunisere med de andre du spiller med uten å blokkere dem ut ved å telle i hodet ditt. Den fantastiske ting om folk å spille musikk sammen er det menneskelige samspillet som du går glipp av hvis du kommuniserer med et klikk-spor i stedet for de andre menneskene du spiller med, eller telle ut hver bar i hodet i stedet for å lytte til den andre musikere. Jeg er ikke den eneste som ser det på denne måten: Jeg har hørt den britiske musikeren Jamie Cullum si at han unngår bruk av klikk spor når jamming og opptak fordi det tar bort den menneskelige flo og fjære av musikken når de brukes .

Hvordan å praktisere og syltetøy?

Stage One – Tidlig Beginnings av Private Practice:

Hvis du lærer en ny, kanskje utfordrende, melodi for første gang, i privat praksis, så sikker, må du regne ut måleren og bruke en metronom / klikk-spor selektivt og judiciously å sjekke timing, men så snart du ‘ve bekreftet at du har det, slutte å bruke metronom eller klikk spor asap, og ikke bruke det igjen for at musikkstykke, fordi det var en gang hjelpe deg å få bedre rytmisk vil nå begrense deg og holde deg tilbake.

Stage Tre – Jamming eller gigging med andre musikere:

Vi vil komme til å iscenesette to senere!   Når jamming eller gigging, ikke telle i hodet ditt. Nå skal du ha internalisert sang av privat praksis og være klar til å kommunisere den med andre og telling vil skjemme lytte. “La Melody av din guide”. Hvis du har melodien i tankene dine mens du utfører og improvisere vil det hjelpe deg å holde plassen uten behov for å telle. Også, hvor det er en pause i melodien supplere melodi med din egen for å hjelpe til med dette. For eksempel, hvis melodien har en to bar resten deretter fylle det resten med din egen ‘fylle melodien’ vil støtte bruke melodien å holde stedet i melodien. Holde melodi i hodet ditt vil være det minste distraksjon mens du lytter til de andre spillerne med mindre din følelse av rytme og timing er så bra, og du er så tett med de andre bandmedlemmene at du ikke trenger det engang.

Trinn to – Øve alene eller kanskje med andre:

Hva gjør du når du spiller melodien løpet regelmessig for å internalisere det før du spiller den med andre, eller selv om du aldri kommer til å spille med andre? For det første ville det være godt å få en følelse av form av musikk, og også, (ii) det ville være bra å øve og spille i rytmisk stil av stykket. Jeg tror en ideell, og urealistisk, optimale ville være å ha et ekte menneske band av erfarne musikere som kjenner stykket godt klar i praksis studio for å jamme med til. De må også ta imot deg ved å stoppe og starte på din kommando. Dette konseptet har blitt beste adressert av profesjonell musiker backingspor levert av leverandører som ‘Aebersold’. De er et flott alternativ, men ikke alltid en praktisk en. Hvis du har kjøpt en av disse, og det inkluderer sang, i nøkkelen og stil, og lignende tempo vil du spille det med bandet ditt, da, flott, inkluderer å spille med på det som en del av denne praksisen.Det kan være veldig hyggelig og gjør det mulig å praktisere improvisasjon med aural sjekker på harmoni og form du ellers ikke ville ha. Det er hvis du improviserer over form og slippe en bar eller glemmer en akkord endringen du skal høre det og være i stand til å rette det opp. Et annet godt alternativ er å spille sammen til kunstnere spor av melodi. Si du lærer Autumn Leaves og du har opptak av det av ulike kunstnere i platesamlingen, og deretter spille disse opptakene og spille sammen, ‘følger’ med akkorder av en baseline. Du er i samspill med topp musikere som utvilsomt spiller stykket godt – ingenting du internal det vil være så livløs og skadelig som et klikk-spor. Jeg tror på dette tidspunktet, når du spiller og internal en låt, er det viktig å praktisere det i så mange praksis formater “som mulig – de som tidligere er nevnt, og også, spille alene melodien av seg selv, og deretter melodien og baseline, og deretter spille grunnlinjen og synge melodien, og deretter spille akkorder og synge melodien, og deretter spille akkorder og spille melodien sammen. Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, men er det viktig å praktisere det i så mange ‘praksis formater’ som mulig – som tidligere nevnt, og også spille alene melodien av seg selv, og deretter melodien og grunnlinjen, og deretter spille grunnlinjen og synge melodien, og deretter spille akkorder og synge melodien, og deretter spille akkorder og spille melodien sammen. Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, men er det viktig å praktisere det i så mange ‘praksis formater’ som mulig – som tidligere nevnt, og også spille alene melodien av seg selv, og deretter melodien og grunnlinjen, og deretter spille grunnlinjen og synge melodien, og deretter spille akkorder og synge melodien, og deretter spille akkorder og spille melodien sammen. Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, men Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, men Får du ideen? Jo mer forskjellige måter du hører og utfører melodi jo bedre aural kunnskap om det blir. Så, hva om rytme og timing når du gjør dette? Jeg tror det beste alternativet er å ha en rytme backing spor spiller som ikke har grunnlinjen eller akkorder, menVil representere formen av stykket, Hvor seksjonene start og slutt, hvor energiendringer som resultat beveger seg fra ‘A’ deler til ‘B’ (eller bro) seksjonene og til middel kor, som er generelt stedet for impro, og også der hvor fire-bar setninger forekomme etc. Hvis dette rhymic tilbake er også realistisk og menneskelig snarere enn metronomisk i sin leveranse og er i rytmisk stil du skal spille stykket du ikke bare har et godt fundament for å lære stykket, men også et enormt hyggelig en også. I hovedsak er det samme argumentet som gikk for å spille sammen med klikk spor: Et klikk spor kan avsløre mange feil du kan ha med måleren og din plassering av akkorder, baseline eller melodi, men det vil også installere en lyddempende av andre rytmiske aspekter som bør skje. Jeg foreslår at du aldri bruke et klikk spor på dette stadiet; heller bruke et backing spor med en ekte følelse av rytme fra lyden av reelle trommeslagere spille ekte trommer i stil vil du spille det og å form av sangen du lærer. Jeg tror dette er en god idé, selv om du utfører i en trommeslager-mindre ensemble. Man kan alltid i tillegg øve på stykket uten å sikkerhets å sikre en kan opprettholde en egen sans for rytme og timing uten backing spor, men det er godt å få en start fra store trommer først. Så, hvordan du får flotte lød menneskelige bakgrunnsspor i musikalsk form av sangen? Det er nå “ Man kan alltid i tillegg øve på stykket uten å sikkerhets å sikre en kan opprettholde en egen sans for rytme og timing uten backing spor, men det er godt å få en start fra store trommer først. Så, hvordan du får flotte lød menneskelige bakgrunnsspor i musikalsk form av sangen? Det er nå “ Man kan alltid i tillegg øve på stykket uten å sikkerhets å sikre en kan opprettholde en egen sans for rytme og timing uten backing spor, men det er godt å få en start fra store trommer først. Så, hvordan du får flotte lød menneskelige bakgrunnsspor i musikalsk form av sangen? Det er nå “Song Rhythm Tracks ”fra Alive Drumming tilby akkurat det …

The Primacy Rhythm dalam mengamalkan muzik popular

Apabila belajar sekeping baru muzik, apabila perlu kerja pemuzik pada mendapatkan hak irama dan rasa sekeping?

Saya telah lama percaya ia telah menjadi perkara yang pertama untuk mendapatkan hak dan ada sedikit nota titik bermain di semua kecuali mereka dalam irama yang dikehendaki dan rasa. Tempo, bagaimanapun, adalah keseluruhan mata pelajaran lain – ada banyak yang boleh dikatakan bagi ketepatan dan juga memainkan lagu-lagu di tempos sangat berbeza menghayati karya yang lebih baik.

Masa adalah asas kepada kemerduan: “Apabila nota dipukul pada waktu yang salah, ia adalah komen yang salah”. Mendapatkan bermain dalam irama yang betul secepat mungkin sebabnya saya selalu dicari keluar berstruktur dan inspirasi sokongan berirama. Ini akhirnya membawa kepada ” Tracks Song Rhythm “.

Salah satu istilah yang paling berulang kepada dan oleh pemuzik adalah bahawa “amalan membuat sempurna”.   Saya pernah mendengar ini diubah untuk, ” amalan membuat kekal “. iaitu jika kita mengulangi perkara yang berulang-ulang maka kita hayati dan ia menjadi kemudahan kita ada “tanpa sedar memikirkan tentang hal itu”. Inilah sebabnya mengapa kita boleh melakukan pergerakan diselaraskan kompleks tanpa banyak berfikir sedar seperti memandu kereta dan juga menggunakan pisau dan garpu. Jika anda tidak pernah dilakukan perkara-perkara ini dalam hidup anda sebelum mereka boleh menjadi sangat mencabar bagi kali pertama , tetapi apabila dilakukan satu harian tidak mengenali mereka sebagai satu cabaran lagi. Ia seolah-olah satu bahagian fikiran yang berbeza anda diberikan tugas itu. Jadi, apa yang penting ialah kitasangat selektif tentang menggunakan teknik pengulangan ini dan pastikan ia kesan tidak bekerja terhadap kami kerana jika apa yang kita mengamalkan tidak bermanfaat maka ia akan mendapatkan dihayati seperti sedia …. Jadi, amalan boleh membuat sempurna; Ia akan akhirnya membuat kekal, tetapi kekekalan yang boleh mengalahkan anda serta membantu anda.

Satu aspek penting dalam muzik adalah irama dan masa – ia adalah apa yang boleh membuat muzik yang datang hidup, dan ia adalah apa yang boleh membunuh juga. Ia adalah penting bahawa kita membangunkan irama baik dan masa.

Jika anda masih belum dibangunkan rasa bahawa nadi biasa yang terdapat dalam kebanyakan muzik moden – pop, rakyat, negara, jazz – bermain bersama-sama untuk sesuatu dengan denyut adalah manfaat yang besar kerana di mana sahaja nadi anda kekurangan ia akan menjadi jelas ditunjukkan dan anda secara automatik akan menyesuaikan diri dengan mengikuti nadi dan menjaga masa. Hebat: Itu adalah satu kemenangan sebenar. Cadangan saya adalah untuk menjadi sangat selektif tentang penggunaan Metronom dan klik-trek:

Penyalahgunaan daripada Metronom dan klik trek Dianggap Memudaratkan

Sentiasa menggunakan satu klik-track apabila anda mengamalkan dan juga apabila bermain bersama-sama dalam satu kumpulan mungkin akan bekerja terhadap membangunkan interaksi manusia anda sendiri pada nadi dan mengurangkan nuansa berirama yang akhirnya dipukul oleh mencabar, oh-begitu-biasa , ‘klik’. Juga, mengira apabila anda jamming dengan orang lain akan menjadi masalah: Mengira denyutan dalam meter, seperti 1-dan-a, 2-dan-a, adalah bantuan yang benar-benar tidak ternilai apabila pembelajaran yang baru, mungkin berirama mencabar melodi: Saya pernah mendengar ia berkata bahawa jika anda tidak bolehmengira melodi atau idea berirama keluar, anda tidak benar-benar tahu ia: Ia baik untuk mengira ia keluar untuk memastikan kita benar-benar tahu, tetapi sebaik sahaja anda telah dihayati bahawa melodi, sudah tiba masanya untuk berhenti mengira dan merasakan irama dan berkomunikasi dengan yang lain anda bermain dengan tanpa menyekat mereka keluar dengan mengira dalam kepala anda. Perkara yang menarik tentang muzik rakyat bermain bersama-sama adalah interaksi manusia yang anda ketinggalan jika anda berkomunikasi dengan satu klik-track dan bukannya manusia lain yang anda sedang bermain dengan, atau menghitung setiap bar dalam kepala anda dan bukannya mendengar yang lain pemuzik. Saya bukan satu-satunya yang melihat ia cara ini: Saya telah mendengar pemuzik British Jamie Cullum mengatakan dia mengelakkan penggunaan trek klik apabila jamming dan rakaman kerana ia menghapus surut manusia dan aliran muzik apabila ia digunakan .

Bagaimana untuk berlatih dan jem?

Tahap Satu – The Beginnings awal Private Practice:

Jika anda belajar yang baru, mungkin mencabar, melodi buat kali pertama, dalam amalan swasta, maka pasti, JANGAN menghitung meter dan menggunakan metronom / klik-track terpilih dan bijaksana untuk menyemak masa, tetapi, sebaik sahaja anda dah mengesahkan anda akan dapat semuanya, berhenti menggunakan metronom atau klik trek secepat mungkin dan tidak menggunakannya lagi untuk sekeping muzik, kerana apa yang pernah membantu anda untuk mendapatkan yang lebih baik berirama kini akan menghadkan anda dan menghalang anda.

Tahap Tiga – Jamming atau Gigging dengan Musicians lain:

Kami akan datang untuk mengadakan dua kemudian!   Apabila jamming atau gigging, tidak mengira dalam kepala anda. Sekarang anda sepatutnya dihayati lagu oleh amalan swasta dan bersedia untuk berkomunikasi dengan orang lain dan kiraan akan mengurangkan daripada mendengar. “Biarlah Melody dengan panduan anda”. Jika anda mempunyai melodi dalam fikiran anda ketika melaksanakan dan memperbaiki pelbagai ia akan membantu anda menjaga tempat tanpa apa-apa keperluan untuk mengira. Juga, di mana terdapat jeda dalam melodi menambah melodi dengan anda sendiri untuk membantu dengan ini. Sebagai contoh, jika melodi mempunyai sepanjang dua bar kemudian mengisi yang lain dengan sendiri ‘mengisi melodi’ akan menyokong menggunakan melodi untuk menjaga tempat dalam lagu yang anda. Menyimpan melodi dalam kepala anda akan menjadi gangguan-kurangnya sambil mendengar pemain lain kecuali perasaan anda irama dan masa adalah begitu baik dan anda begitu ketat dengan ahli-ahli kumpulan lain yang anda tidak perlu walaupun itu.

Peringkat Kedua – Amalan bersendirian atau mungkin dengan orang lain:

Apa yang perlu dilakukan apabila anda memainkan lagu yang lebih kerap menghayati sebelum anda bermain dengan orang lain, atau walaupun anda tidak pernah mendapat untuk bermain dengan orang lain? Pertama, ia akan menjadi baik untuk mendapatkan rasa bentuk muzik, dan juga, (ii) ia akan menjadi baik untuk amalan, dan bermain, dalam gaya berirama daripada program itu. Saya rasa yang ideal, dan tidak realistik, optimum adalah untuk mempunyai sebuah band manusia sebenar pemuzik berpengalaman yang tahu sekeping baik siap dalam studio amalan anda untuk jem bersama-sama ke. Mereka juga akan perlu untuk menampung anda dengan berhenti dan bermula pada perintah anda. konsep yang telah berkesan ditangani dengan profesional pemuzik trek sokongan yang dibekalkan oleh vendor seperti ‘Aebersold’. Mereka adalah pilihan yang hebat, tetapi tidak semestinya satu yang praktikal. Jika anda telah membeli salah satu, dan ia termasuk tune anda, dalam tempo utama dan gaya dan sama anda akan ia bermain dengan band anda, maka, besar, jangan TERMASUK bermain bersama-sama ia sebagai sebahagian daripada amalan ini. Ia boleh menjadi benar-benar menyeronokkan dan membolehkan seseorang untuk mengamalkan penambahbaikan dengan cek aural mengenai keharmonian dan membentuk anda tidak sepatutnya ada. Yang jika anda menambah baik atas bentuk dan drop bar atau lupa perubahan kord anda perlu mendengar itu dan dapat membetulkannya. Satu lagi pilihan yang baik adalah untuk bermain bersama-sama kepada artis trek lagu. Katakanlah anda belajar Daun Autumn dan anda mempunyai rakaman itu dengan pelbagai artis dalam koleksi rekod anda, kemudian bermain mereka rakaman dan bermain bersama-sama, ‘mengiringi’ dengan chords daripada garis asas. Anda berinteraksi dengan pemuzik terkemuka yang sudah pasti bermain sekeping baik – apa-apa yang secara dalaman akan menjadi tidak bermaya dan merosakkan dengan klik-track. Saya percaya pada masa ini, apabila anda bermain dan menghayati lagu, ia adalah penting untuk mengamalkannya seberapa banyak ‘format amalan’ mungkin – yang disebut sebelum ini dan juga, bermain bersendirian melodi dengan sendirinya, dan kemudian melodi dan asas, kemudian memainkan asas dan menyanyi melodi, kemudian memainkan chords dan menyanyi melodi, kemudian memainkan chords dan bermain melodi bersama-sama. Adakah anda mendapat idea? Yang lebih pelbagai cara anda mendengar dan melaksanakan tune yang lebih baik pengetahuan aural yang anda ia menjadi. Jadi, bagaimana pula dengan irama dan masa apabila anda melakukan ini? Saya rasa pilihan yang terbaik adalah untuk mempunyai trek bermain irama sokongan yang tidak mempunyai asas atau chords tetapi ia adalah penting untuk mengamalkan dalam “format amalan ‘sebanyak mungkin – mereka yang dinyatakan sebelum ini dan juga, bermain sendiri melodi dengan sendirinya, dan kemudian melodi dan asas, kemudian bermain garis dasar dan menyanyi melodi, kemudian memainkan chords dan menyanyi melodi, kemudian memainkan chords dan bermain melodi bersama-sama. Adakah anda mendapat idea? Yang lebih pelbagai cara anda mendengar dan melaksanakan tune yang lebih baik pengetahuan aural yang anda ia menjadi. Jadi, bagaimana pula dengan irama dan masa apabila anda melakukan ini? Saya rasa pilihan yang terbaik adalah untuk mempunyai trek bermain irama sokongan yang tidak mempunyai asas atau chords tetapi ia adalah penting untuk mengamalkan dalam “format amalan ‘sebanyak mungkin – mereka yang dinyatakan sebelum ini dan juga, bermain sendiri melodi dengan sendirinya, dan kemudian melodi dan asas, kemudian bermain garis dasar dan menyanyi melodi, kemudian memainkan chords dan menyanyi melodi, kemudian memainkan chords dan bermain melodi bersama-sama. Adakah anda mendapat idea? Yang lebih pelbagai cara anda mendengar dan melaksanakan tune yang lebih baik pengetahuan aural yang anda ia menjadi. Jadi, bagaimana pula dengan irama dan masa apabila anda melakukan ini? Saya rasa pilihan yang terbaik adalah untuk mempunyai trek bermain irama sokongan yang tidak mempunyai asas atau chords tetapi Adakah anda mendapat idea? Yang lebih pelbagai cara anda mendengar dan melaksanakan tune yang lebih baik pengetahuan aural yang anda ia menjadi. Jadi, bagaimana pula dengan irama dan masa apabila anda melakukan ini? Saya rasa pilihan yang terbaik adalah untuk mempunyai trek bermain irama sokongan yang tidak mempunyai asas atau chords tetapi Adakah anda mendapat idea? Yang lebih pelbagai cara anda mendengar dan melaksanakan tune yang lebih baik pengetahuan aural yang anda ia menjadi. Jadi, bagaimana pula dengan irama dan masa apabila anda melakukan ini? Saya rasa pilihan yang terbaik adalah untuk mempunyai trek bermain irama sokongan yang tidak mempunyai asas atau chords tetapiAKAN mewakili bentuk sekeping, Di mana bahagian-bahagian bermula dan berakhir, di mana perubahan tenaga bergerak prestasi dari ‘A’ bahagian untuk ‘B’ (atau jambatan) bahagian dan untuk choruses menengah, yang biasanya tempat untuk penambahbaikan, dan juga di mana-ungkapan empat bar berlaku dan lain-lain Jika kembali rhymic ini juga seperti hidup dan manusia daripada metronomic dalam penyampaian dan dalam gaya berirama anda akan bermain sekeping anda bukan sahaja mempunyai asas yang besar untuk belajar sekeping tetapi juga satu yang sangat menyeronokkan juga. Pada asasnya, ia adalah satu hujah yang sama yang pergi untuk bermain bersama-sama untuk klik trek: Trek klik boleh mendedahkan banyak kesalahan anda mungkin ada dengan meter dan penempatan anda daripada chords, asas atau melodi anda, tetapi ia juga akan memasang deadening yang lain aspek berirama yang sepatutnya berlaku. Saya cadangkan tidak pernah menggunakan trek klik pada peringkat ini; sebaliknya menggunakan trek sokongan dengan rasa sebenar irama dari audio pemain gendang sebenar bermain gendang sebenar dalam gaya yang anda akan bermain dan kepada bentuk lagu yang anda belajar. Saya rasa ini adalah satu idea yang baik walaupun anda melaksanakan dalam ensemble drummer-kurang. Satu boleh sentiasa tambahan mengamalkan sekeping tanpa sokongan untuk memastikan siapa yang boleh mengekalkan rasa sendiri irama dan masa tanpa landasan sokongan, tetapi ia adalah baik untuk mendapatkan permulaan dari gendang besar yang pertama. Jadi, bagaimana untuk mendapatkan yang besar berbunyi trek sokongan manusia dalam bentuk muzik dari lagu anda? Kini terdapat ” Satu boleh sentiasa tambahan mengamalkan sekeping tanpa sokongan untuk memastikan siapa yang boleh mengekalkan rasa sendiri irama dan masa tanpa landasan sokongan, tetapi ia adalah baik untuk mendapatkan permulaan dari gendang besar yang pertama. Jadi, bagaimana untuk mendapatkan yang besar berbunyi trek sokongan manusia dalam bentuk muzik dari lagu anda? Kini terdapat ” Satu boleh sentiasa tambahan mengamalkan sekeping tanpa sokongan untuk memastikan siapa yang boleh mengekalkan rasa sendiri irama dan masa tanpa landasan sokongan, tetapi ia adalah baik untuk mendapatkan permulaan dari gendang besar yang pertama. Jadi, bagaimana untuk mendapatkan yang besar berbunyi trek sokongan manusia dalam bentuk muzik dari lagu anda? Kini terdapat “Lagu Rhythm Trek “dari Alive Drumming menyediakan perkara tersebut …

대중 음악 연습에서 리듬의 제일 위

음악의 새로운 조각을 배우는 때해야 작품의 오른쪽 리듬과 느낌을 얻기에 음악가 사용할 수 있습니까?

나는 그것이 잘 얻을 수있는 아주 제일 먼저 있어야한다 생각하고 그들이 원하는 리듬에있는 느낌을 전혀하지 않는 작은 점 재생 노트가있다. 템포는, 그러나, 완전히 다른 주제입니다 – 정밀도와 더 나은 작품을 내면화하는 현저하게 다른 템포로 곡을 연주라고 할 수있는이 많이있다.

타이밍 음악성의 기반이다 “메모가 잘못된 시간에 공격 할 때, 잘못된 노트입니다.” 난 항상 구조 및 고무 리듬 반주를 추구 한 이유를 가능한 한 빨리 올바른 리듬 연주를 얻는 것은입니다. 이것은 궁극적으로 “로 이어질 노래 리듬 트랙 “.

와 음악가에 의해 대부분의 반복되는 용어 중 하나는 점이다 “연습이 완벽을 만들지.”   나는, “이 변경된 들었어요 연습하게 영구적 “. 즉, 우리를 통해 일을 반복하면 이상 우리는 그것을 내면화 않고 우리가 “의식적으로 그것에 대해 생각하지 않고”이 시설이된다. 이것은 우리가 같은 차를 운전하고도 나이프와 포크를 사용하는만큼 의식이 생각없이 복잡한 조정 움직임을 할 수있는 이유입니다. 당신은 그들이 매우 어려울 수 있습니다 전에 당신의 인생에 이런 일을 해본 적이 없다 경우난생 처음 한 번,하지만도 더 이상 문제로 인식하지 않는 일상적인 일을 수행 하였다. 당신의 마음의 완전히 다른 부분이 작업에 할당 된 것처럼입니다. 그래서, 중요한 것은 우리가 있다는 것입니다이 반복 기술을 사용하여 매우 선택 하기 때문에 반드시 그 영향이 우리에 대해 작동하지 않습니다 할 경우 우리가 연습하는 것은 도움이되지 않습니다 … 그것은 그냥 쉽게 내면화 얻을 것이다. 그래서 연습 할 수 완전하게; 그것은 것이다 결국 영구적하지만 항구 도움 당신뿐만 아니라 당신을 이길 수 있습니다.

이 음악이 살아 올 수 있습니다 무엇, 그것은뿐만 아니라 죽일 수있는 작업 – 음악의 핵심은 리듬과 타이밍이다. 우리가 좋은 리듬과 타이밍을 개발하는 것이 중요합니다.

팝, 포크, 컨트리, 재즈 – – 아직 대부분의 현대 음악 존재하는 일반 펄스의 감각을 개발하지 않은 경우 펄스로 뭔가를 함께 연주하면 펄스가 분명히있을 것입니다 부족한 곳 때문에 큰 이점은 표시 및 자동 펄스를 따라 타이밍을 유지하기 위해 조정됩니다. 큰 : 그것은 진정한 승리이다. 나의 추천 메트로놈 및 클릭 트랙의 사용에 대한 매우 선택이 될 것입니다 :

오용 메트로놈의 클릭 트랙 유해 고려

항상 때 연습하고 그룹에서 함께 연주 할 때 또한 가능성이 펄스에 자신의 인간의 상호 작용을 개발에 반대하고 오 – 그래서 – 일반의 요구에 의해 구타 결국 리듬 뉘앙스에서 떨어지다 클릭 트랙을 사용하여 ‘클릭’. 또한, 계산 이 때 움직이지 않게 다른 사람과 문제가 될 것 같은, 미터 내에서 펄스를 계산 1 및-A, 2-및-A 새, 아마도 리듬 도전 멜로디를 학습 절대적으로 귀중한 원조입니다 : 내가 들어 그것이 말했다 경우 해당 할 수 없습니다그것은 우리가 정말 알 수 있도록 그것을 계산 좋아요,하지만 당신은 멜로디 것을 내면화 한 후, 그것을 계산 중지하고 리듬을 느끼고와 통신 할 시간이다 : 멜로디 또는 축소 리듬 아이디어를 계산, 당신이 정말로 그것을 몰라 다른 사람이 당신은 당신의 머리에서 계산하여 그들을 차단하지 않고 함께 놀고있다. 민속 음악 재생에 대한 멋진 일 함께 당신 대신 당신이 재생하는 다른 사람의 클릭 트랙과 통신하는 경우를 놓치지 또는 다른 듣는 대신 머리에있는 모든 줄을 카운트 인간의 상호 작용입니다 음악가. 나는이 방법을 볼 수있는 유일한 사람이 아니에요 : 나는 영국 뮤지션 제이미 컬럼을 들었다 움직이지 않게하고 녹음 할 때 그들이 사용하는 경우는 인간의 썰물과 음악의 흐름을 빼앗아 때문에 그가 클릭 트랙의 사용을 피할 말 .

어떻게 연습하고 잼합니다?

단 하나 – 개인 연습의 초기 시작 :

처음으로 새로운, 아마 도전, 멜로디를 학습하는 경우, 개인 연습에, 즉시로, 다음 물론, m을 계산 마십시오 당신의 타이밍을 확인하기 위해 선택적으로 현명하게 메트로놈 / 클릭 트랙을 사용하지만, 당신이있어 확인이 맞는지, 더 리드미컬 지금 당신을 제한하고 당신을 보유하고있는 메트로놈을 사용 중지하거나 최대한 빨리 트랙을 클릭 한 번 당신을 돕고 있었는지 때문에 얻을, 음악의 조각을 다시 사용하지 마십시오.

세번째 단계 – 재밍 또는 다른 뮤지션과 DJ는 :

우리는 나중에이 무대에 올 것이다!   방해 또는 DJ는 때, 당신의 머리에 포함되지 않습니다. 지금까지 당신은 개인 연습으로 노래를 내면화와 듣기에서 손상됩니다 다른 사람과 계산과 통신 할 준비가되어 있어야합니다. “당신의 가이드에 의해 멜로디하자”. 수행하고 즉흥적 동안 당신이 당신의 마음에 멜로디가 있다면 그것은 당신이 계산 할 필요없이 자리를 유지하는 데 도움이됩니다. 또한, 멜로디의 일시 정지이에 도움이 자신과 멜로디를 보충이있는 곳. 예를 들어, 멜로디는 다음과 그 나머지를 채우는 두 줄의 나머지를 가지고 자신의 ‘멜로디를 채우기’곡의 자리를 유지하기 위해 멜로디를 사용하여 지원합니다. 리듬과 타이밍의 감각이 너무 좋은 경우를 제외하고 다른 플레이어 듣고 당신은 심지어 필요하지 않은 다른 밴드 멤버 너무 꽉있는 동안 당신의 머리에서 멜로디를 유지하는 것이 가장 방해가 될 것입니다.

단 두 – 다른 사람과 혼자 혹은 연습 :

당신은 당신이 다른 사람과 재생, 또는 당신이 결코 경우에도 다른 사람들과 플레이하기 전에 내면화 정기적를 통해 곡을 연주 할 때 무엇을 할까? 첫째, 음악의 형태의 감각을 얻을 좋은 것, 또한, (II)는 연습 좋은 것, 그리고 작품의 리듬 스타일로, 재생할 수 있습니다. 나는, 이상, 그리고 비현실적인 최적에 잼을하는 연습 스튜디오에서 잘 준비 조각을 알고 경험이 풍부한 뮤지션의 진짜 인간 대역폭을 사용하는 것입니다 생각합니다. 또한 중지 명령에서 시작하여 당신을 수용해야합니다. 그 개념은 최고의 같은 ‘Aebersold’와 같은 공급 업체가 제공하는 전문 음악가 반주 트랙에 의해 해결되었습니다. 그들은 훌륭한 옵션, 항상은 아니지만 실제 하나입니다. 당신이 이들 중 하나 구입, 그것은 귀하의 조정을 포함하는 경우 키와 스타일과 비슷한 템포에 당신이 당신의 밴드와 함께 연주되며, 다음, 큰, 이러한 행위의 일부로에 따라 재생 포함시킨다. 정말 즐거운 하나의 조화에 청각 검사와 순발력을 연습하고 다른 방법으로는 얻을 수없는 형성 할 수 있습니다. 양식을 통해 즉석에서 바를 떨어 뜨리거나 그 소리가납니다 화음 변화를 잊고 그것을 해결할 수 있다면 때문입니다. 또 다른 좋은 옵션은 곡의 아티스트 트랙에 함께 재생하는 것입니다. 다음 해당 녹음을 재생하고베이스 라인의 코드와 함께 ‘동반’, 연주, 당신은 단풍을 학습하고 당신이 당신의 기록 컬렉션의 다양한 예술가들에 의해 그것의 녹음을 말해봐. 당신은 의심 할 여지없이 잘 조각을 재생하는 최고 음악가와 상호 작용 – 아무것도 당신이 클릭 트랙처럼 생명과 손상이있을 것 내면화하지 않습니다. 다음 멜로디와 자체만으로 멜로디를 연주 그 이전에 언급 또한,와 – 연주와 곡을 internalising 때 나는,이 시간에 생각, 많은 ‘연습 형식’가능한 한 그것을 실천하는 것이 중요하다 기준은 다음 기준을 연주하고 멜로디를 노래, 다음 코드를 연주하고 멜로디를 노래, 다음 코드를 연주와 함께 멜로디를 연주. 당신은 아이디어를받을 수 있나요? 당신이 듣고 그것의 더 나은 청각 지식이되는 조정을 수행하는 방법의 더 다양한. 그래서, 당신은이 리듬과 타이밍에 대한 무슨 일을 할 때? 나는 최선의 선택은베이스 라인 또는 코드하지만이없는 리듬 백킹 트랙 재생을하는 것입니다 생각 가능한 한 많은 ‘연습 형식’에서 그것을 실천하는 것이 중요하다 – 그 이전에 언급하며, 그 자체로 혼자 멜로디를 연주하고 멜로디와베이스 라인은, 다음 코드를 연주 한 후,베이스 라인을 연주하고 멜로디를 노래 다음, 멜로디를 노래 코드를 연주와 함께 멜로디를 연주. 당신은 아이디어를받을 수 있나요? 당신이 듣고 그것의 더 나은 청각 지식이되는 조정을 수행하는 방법의 더 다양한. 그래서, 당신은이 리듬과 타이밍에 대한 무슨 일을 할 때? 나는 최선의 선택은베이스 라인 또는 코드하지만이없는 리듬 백킹 트랙 재생을하는 것입니다 생각 가능한 한 많은 ‘연습 형식’에서 그것을 실천하는 것이 중요하다 – 그 이전에 언급하며, 그 자체로 혼자 멜로디를 연주하고 멜로디와베이스 라인은, 다음 코드를 연주 한 후,베이스 라인을 연주하고 멜로디를 노래 다음, 멜로디를 노래 코드를 연주와 함께 멜로디를 연주. 당신은 아이디어를받을 수 있나요? 당신이 듣고 그것의 더 나은 청각 지식이되는 조정을 수행하는 방법의 더 다양한. 그래서, 당신은이 리듬과 타이밍에 대한 무슨 일을 할 때? 나는 최선의 선택은베이스 라인 또는 코드하지만이없는 리듬 백킹 트랙 재생을하는 것입니다 생각 당신은 아이디어를받을 수 있나요? 당신이 듣고 그것의 더 나은 청각 지식이되는 조정을 수행하는 방법의 더 다양한. 그래서, 당신은이 리듬과 타이밍에 대한 무슨 일을 할 때? 나는 최선의 선택은베이스 라인 또는 코드하지만이없는 리듬 백킹 트랙 재생을하는 것입니다 생각 당신은 아이디어를받을 수 있나요? 당신이 듣고 그것의 더 나은 청각 지식이되는 조정을 수행하는 방법의 더 다양한. 그래서, 당신은이 리듬과 타이밍에 대한 무슨 일을 할 때? 나는 최선의 선택은베이스 라인 또는 코드하지만이없는 리듬 백킹 트랙 재생을하는 것입니다 생각조각의 형태를 나타냅니다섹션 시작 위치와 끝은 일반적으로 즉석위한 장소 ‘B'(또는 다리) 부분과 중간 코러스에 ‘A’부분에서 성능 이동 에너지로 변경, 심지어 4 절 문구는 어디에 발생할 등이 rhymic 다시는 또한 인도에서 살아있는 인간보다는 기계적으로하고 당신이뿐만 아니라이 작품을 학습을위한 훌륭한 기초뿐만 아니라뿐만 아니라 대단히 즐거운 일이 조각을 연주 할 리듬 스타일에있는 경우. 기본적으로이 트랙을 클릭하여 함께 연주에 들어갑니다 같은 인수의 : 딸깍 트랙 당신이 미터와 화음의 당신의 위치, 당신의 기준이나 멜로디가있을 수 많은 결함을 노출시킬 수는 있지만, 그것은 또한 다른의를 끈 설치합니다 리듬 측면이 일어나고되어야한다. 나는 결코이 단계에서 클릭 트랙을 사용하지 않는 것이 좋습니다; 오히려 당신이 그것을 재생됩니다 스타일로 당신이 배우고있는 노래의 형태로 실제 드럼을 연주 실제 드러머의 오디오에서 리듬의 진정한 의미와 배킹 트랙을 사용합니다. 나는 이것이 당신이 드러머없는 앙상블에서 수행 할 경우에도 좋은 아이디어라고 생각합니다. 하나는 항상 추가로 하나가 배킹 트랙없이 리듬과 타이밍의 자신의 감각을 유지할 수 있도록 백업하지 않고 작품을 연습 할 수 있지만, 최초의 위대한 연주에서 시작을 얻을하는 것이 좋다. 그럼, 어떻게 노래의 음악적 형태로 큰 소리가 인간의 반주 트랙을 얻으려면? “지금이 있습니다 하나는 항상 추가로 하나가 배킹 트랙없이 리듬과 타이밍의 자신의 감각을 유지할 수 있도록 백업하지 않고 작품을 연습 할 수 있지만, 최초의 위대한 연주에서 시작을 얻을하는 것이 좋다. 그럼, 어떻게 노래의 음악적 형태로 큰 소리가 인간의 반주 트랙을 얻으려면? “지금이 있습니다 하나는 항상 추가로 하나가 배킹 트랙없이 리듬과 타이밍의 자신의 감각을 유지할 수 있도록 백업하지 않고 작품을 연습 할 수 있지만, 최초의 위대한 연주에서 시작을 얻을하는 것이 좋다. 그럼, 어떻게 노래의 음악적 형태로 큰 소리가 인간의 반주 트랙을 얻으려면? “지금이 있습니다노래 리듬 트랙 정확하게 제공 살아 드럼 연주에서 “…

The Primacy of Rhythm dalam berlatih musik populer

Ketika belajar sepotong baru musik, ketika harus seorang musisi bekerja pada mendapatkan hak irama dan nuansa dari potongan?

Saya telah lama percaya itu harus hal pertama untuk mendapatkan hak dan ada sedikit titik bermain catatan sama sekali kecuali mereka berada di ritme yang diinginkan dan merasa. Tempo, bagaimanapun, adalah seluruh subjek lainnya – ada banyak yang bisa dikatakan untuk presisi dan bahkan bermain lagu pada tempo yang sangat berbeda untuk menginternalisasi potongan yang lebih baik.

Timing adalah fondasi dari musikalitas: “Ketika catatan dipukul pada waktu yang salah, itu adalah catatan yang salah”. Mendapatkan bermain dalam ritme yang tepat sesegera mungkin sebabnya saya selalu mencari terstruktur dan inspirasi dukungan berirama. Hal ini pada akhirnya menyebabkan “ Lagu Rhythm Trek “.

Salah satu istilah yang paling diulang untuk dan oleh musisi adalah bahwa “praktek membuat sempurna”.   Saya pernah mendengar ini diubah untuk, “ praktek membuat permanen ”. yaitu jika kita mengulangi hal berulang maka kita menginternalisasi dan itu menjadi fasilitas kita memiliki “tanpa sadar berpikir tentang hal itu”. Inilah sebabnya mengapa kita bisa melakukan gerakan terkoordinasi kompleks tanpa berpikir banyak yang sadar seperti mengemudi mobil dan bahkan menggunakan pisau dan garpu. Jika Anda belum pernah melakukan hal-hal ini dalam hidup Anda sebelum mereka bisa sangat menantang untuk pertama kalinya , tetapi setelah dilakukan satu hari bahkan tidak mengenali mereka sebagai tantangan lagi. Seolah-olah bagian yang sama sekali berbeda dari pikiran Anda ditugaskan untuk tugas. Jadi, yang penting adalah bahwa kitasangat selektif tentang menggunakan teknik pengulangan ini dan pastikan efek tidak bekerja melawan kita karena jika apa yang kita berlatih tidak menguntungkan maka akan mendapatkan diinternalisasikan seperti mudah …. Jadi, praktek bisa membuat sempurna; Ini akan akhirnya membuat permanen, tapi itu keabadian dapat mengalahkan Anda serta membantu Anda.

Sebuah aspek kunci dari musik irama dan waktu – itu apa yang bisa membuat musik menjadi hidup, dan itu apa yang bisa membunuhnya juga. Ini penting bahwa kita mengembangkan ritme yang baik dan waktu.

Jika Anda belum mengembangkan rasa yang pulsa biasa yang hadir di sebagian besar musik modern – pop, folk, country, jazz – bermain bersama untuk sesuatu dengan pulsa adalah manfaat besar karena di mana pun pulsa Anda kurang akan jelas ditampilkan dan Anda akan secara otomatis menyesuaikan untuk mengikuti denyut nadi dan menjaga waktunya. Besar: Itu kemenangan yang nyata. Rekomendasi saya adalah menjadi sangat selektif tentang penggunaan metronom dan klik-lagu:

Penyalahgunaan dari metronom dan klik trek Dianggap Berbahaya

Selalu menggunakan klik-lagu ketika Anda berlatih dan juga saat bermain bersama dalam kelompok mungkin akan bekerja melawan mengembangkan interaksi manusia sendiri pada denyut nadi dan mengurangi nuansa ritmis yang berakhir dipukuli oleh menuntut, oh-begitu-biasa , ‘klik’. Juga,menghitung ketika Anda nge-jam dengan orang lain akan menjadi masalah: Menghitung pulsa dalam meter, seperti 1-dan-a, 2-dan-a, adalah bantuan benar-benar berharga ketika belajar baru, mungkin berirama menantang melodi: saya pernah mendengar bahwa jika Anda tidak bisamenghitung melodi atau ide berirama, Anda tidak benar-benar tahu itu: Ini bagus untuk menghitung itu untuk memastikan kita benar-benar tahu itu, tetapi sekali Anda telah diinternalisasi bahwa melodi, saatnya untuk berhenti menghitung dan merasa irama dan berkomunikasi dengan yang lain Anda bermain dengan tanpa menghalangi mereka keluar dengan menghitung di kepala Anda. Hal yang indah tentang musik rakyat bermain bersama-sama adalah interaksi manusia yang kehilangan jika Anda berkomunikasi dengan klik-track bukan manusia lain yang Anda bermain dengan, atau menghitung setiap bar di kepala Anda, bukan mendengarkan lainnya musisi. Saya bukan satu-satunya orang yang melihat cara ini: Saya pernah mendengar musisi Inggris Jamie Cullum mengatakan ia menghindari penggunaan klik trek ketika jamming dan merekam karena menghilangkan pasang surut manusia dan aliran musik ketika mereka digunakan .

Cara berlatih dan selai?

Tahap Satu – Awal Awal Praktek Swasta:

Jika Anda belajar baru, mungkin menantang, melodi untuk pertama kalinya, dalam praktek swasta, kemudian yakin, JANGAN menghitung keluar meter dan menggunakan metronome / klik-track selektif dan bijaksana untuk memeriksa waktu Anda, tetapi, segera setelah Anda sudah dikonfirmasi Anda punya itu, berhenti menggunakan metronom atau klik track asap dan tidak menggunakannya lagi untuk sepotong musik, karena apa yang pernah membantu Anda untuk mendapatkan yang lebih baik berirama sekarang akan membatasi Anda dan menghambat Anda.

Tahap Tiga – Jamming atau manggung dengan Musisi lain:

Kami akan datang ke tahap dua nanti!   Ketika jamming atau manggung, tidak menghitung di kepala Anda. Dengan sekarang Anda harus telah diinternalisasi lagu dengan praktek swasta dan siap untuk berkomunikasi dengan orang lain dan terus bertambah akan mengurangi mendengarkan. “Biarkan Melody oleh panduan Anda”. Jika Anda memiliki melodi dalam pikiran Anda saat melakukan dan improvisasi itu akan membantu Anda menjaga tempat tanpa perlu menghitung. Juga, di mana ada jeda dalam melodi melengkapi melodi dengan Anda sendiri untuk membantu dengan ini. Sebagai contoh, jika melodi memiliki sisa dua bar kemudian mengisi bahwa sisanya dengan Anda sendiri ‘mengisi melodi’ akan mendukung menggunakan melodi untuk menjaga tempat di lagu. Menjaga melodi di kepala Anda akan menjadi yang paling gangguan sambil mendengarkan pemain lain kecuali rasa irama dan waktu sangat baik dan Anda begitu ketat dengan anggota band lain yang Anda tidak perlu bahkan.

Tahap Dua – Berlatih sendiri atau mungkin dengan orang lain:

Apa yang harus dilakukan ketika Anda sedang bermain tune lebih teratur untuk menginternalisasi sebelum Anda bermain dengan orang lain, atau bahkan jika Anda tidak pernah bisa bermain dengan orang lain? Pertama, itu akan baik untuk mendapatkan rasa bentuk musik, dan juga, (ii) itu akan baik untuk berlatih, dan bermain, dalam gaya berirama potongan. Saya pikir ideal, dan tidak realistis, optimal akan memiliki sebuah band manusia yang nyata dari musisi berpengalaman yang tahu potongan dengan baik siap di studio latihan Anda untuk selai bersama untuk. Mereka juga akan perlu untuk mengakomodasi Anda dengan menghentikan dan memulai pada perintah Anda. konsep yang telah terbaik ditangani oleh profesional musisi backing track yang disediakan oleh vendor seperti ‘Aebersold’. Mereka adalah pilihan yang bagus, tetapi tidak selalu praktis. Jika Anda telah membeli salah satu dari ini, dan itu termasuk lagu Anda, di tempo kunci dan gaya dan sama Anda akan bermain dengan band Anda, maka, besar, jangan TERMASUK bermain bersama untuk itu sebagai bagian dari praktek ini. Hal ini dapat benar-benar menyenangkan dan memungkinkan seseorang untuk berlatih improvisasi dengan pemeriksaan aural pada harmoni dan membentuk Anda tidak dapat memiliki. Itu jika Anda berimprovisasi atas bentuk dan drop bar atau lupa perubahan akord Anda harus mendengar itu dan dapat memperbaikinya. Pilihan lain yang bagus adalah untuk bermain bersama untuk artis lagu dari lagu. Katakanlah Anda belajar Autumn Leaves dan Anda memiliki rekaman dengan berbagai artis dalam koleksi catatan Anda, kemudian bermain mereka rekaman dan bermain bersama, ‘menemani’ dengan akord dari baseline. Anda berinteraksi dengan musisi papan atas yang tidak diragukan lagi bermain sepotong baik – tidak Anda internalisasi akan ada sebagai tak bernyawa dan merusak sebagai klik-track. Saya percaya saat ini, ketika Anda sedang bermain dan internalisasi sebuah lagu, penting untuk berlatih dalam banyak ‘format praktek’ mungkin – yang disebutkan sebelumnya dan juga, bermain sendiri melodi dengan sendirinya, dan kemudian melodi dan dasar, kemudian bermain baseline dan bernyanyi melodi, kemudian memainkan akord dan menyanyikan melodi, kemudian memainkan akord dan memainkan melodi bersama-sama. Apakah Anda mendapatkan ide? Semakin berbagai cara Anda mendengar dan melakukan tune lebih baik pengetahuan aural Anda menjadi. Jadi, bagaimana dengan ritme dan waktu ketika Anda melakukan hal ini? Saya pikir pilihan terbaik adalah memiliki irama dukungan track bermain yang tidak memiliki dasar atau akord tapi adalah penting untuk berlatih dalam beberapa ‘format praktek’ mungkin – yang disebutkan sebelumnya dan juga, bermain sendiri melodi dengan sendirinya, dan kemudian melodi dan baseline, kemudian bermain baseline dan bernyanyi melodi, kemudian memainkan akord dan bernyanyi melodi, kemudian memainkan akord dan memainkan melodi bersama-sama. Apakah Anda mendapatkan ide? Semakin berbagai cara Anda mendengar dan melakukan tune lebih baik pengetahuan aural Anda menjadi. Jadi, bagaimana dengan ritme dan waktu ketika Anda melakukan hal ini? Saya pikir pilihan terbaik adalah memiliki irama dukungan track bermain yang tidak memiliki dasar atau akord tapi adalah penting untuk berlatih dalam beberapa ‘format praktek’ mungkin – yang disebutkan sebelumnya dan juga, bermain sendiri melodi dengan sendirinya, dan kemudian melodi dan baseline, kemudian bermain baseline dan bernyanyi melodi, kemudian memainkan akord dan bernyanyi melodi, kemudian memainkan akord dan memainkan melodi bersama-sama. Apakah Anda mendapatkan ide? Semakin berbagai cara Anda mendengar dan melakukan tune lebih baik pengetahuan aural Anda menjadi. Jadi, bagaimana dengan ritme dan waktu ketika Anda melakukan hal ini? Saya pikir pilihan terbaik adalah memiliki irama dukungan track bermain yang tidak memiliki dasar atau akord tapi Apakah Anda mendapatkan ide? Semakin berbagai cara Anda mendengar dan melakukan tune lebih baik pengetahuan aural Anda menjadi. Jadi, bagaimana dengan ritme dan waktu ketika Anda melakukan hal ini? Saya pikir pilihan terbaik adalah memiliki irama dukungan track bermain yang tidak memiliki dasar atau akord tapi Apakah Anda mendapatkan ide? Semakin berbagai cara Anda mendengar dan melakukan tune lebih baik pengetahuan aural Anda menjadi. Jadi, bagaimana dengan ritme dan waktu ketika Anda melakukan hal ini? Saya pikir pilihan terbaik adalah memiliki irama dukungan track bermain yang tidak memiliki dasar atau akord tapiAKAN mewakili bentuk potongan, Di mana bagian awal dan akhir, di mana perubahan energi sebagai bergerak kinerja dari ‘A’ bagian untuk ‘B’ (atau bridge) bagian dan chorus menengah, yang umumnya tempat untuk improvisasi, dan bahkan di mana empat-bar frase terjadi dll Jika kembali rhymic ini juga manusia hidup dan manusia daripada metronomic dalam pengiriman dan dalam gaya berirama Anda akan bermain potongan Anda tidak hanya memiliki landasan yang besar untuk belajar potongan tetapi juga salah satu yang sangat menyenangkan juga. Pada dasarnya, itu argumen yang sama yang pergi untuk bermain bersama untuk mengklik trek: Sebuah lagu klik dapat mengekspos banyak kesalahan yang mungkin Anda miliki dengan meter dan penempatan dari akord, dasar atau melodi, tetapi juga akan menginstal mematikan dari yang lain aspek ritmis yang harus terjadi. Saya sarankan tidak pernah menggunakan lagu klik pada tahap ini; bukan menggunakan backing track dengan arti sebenarnya dari ritme dari audio drumer nyata bermain drum nyata dalam gaya yang Anda akan bermain dan bentuk lagu Anda belajar. Saya rasa ini adalah ide yang baik bahkan jika Anda tampil di ansambel drummer-kurang. Satu selalu dapat juga berlatih sepotong tanpa dukungan untuk memastikan satu dapat mempertahankan rasa sendiri dari ritme dan waktu tanpa backing track, tapi itu baik untuk mendapatkan mulai dari drum besar pertama. Jadi, bagaimana untuk mendapatkan terdengar backing track manusia yang besar dalam bentuk musik dari lagu Anda? Sekarang ada “ Satu selalu dapat juga berlatih sepotong tanpa dukungan untuk memastikan satu dapat mempertahankan rasa sendiri dari ritme dan waktu tanpa backing track, tapi itu baik untuk mendapatkan mulai dari drum besar pertama. Jadi, bagaimana untuk mendapatkan terdengar backing track manusia yang besar dalam bentuk musik dari lagu Anda? Sekarang ada “ Satu selalu dapat juga berlatih sepotong tanpa dukungan untuk memastikan satu dapat mempertahankan rasa sendiri dari ritme dan waktu tanpa backing track, tapi itu baik untuk mendapatkan mulai dari drum besar pertama. Jadi, bagaimana untuk mendapatkan terdengar backing track manusia yang besar dalam bentuk musik dari lagu Anda? Sekarang ada “Lagu Rhythm Trek ”dari Hidup Drumming memberikan persis seperti itu …

Η Υπεροχή του ρυθμού στην άσκηση λαϊκή μουσική

Κατά την εκμάθηση μιας νέας κομμάτι της μουσικής, όταν θα πρέπει ένα έργο μουσικός για να πάρει σωστά το ρυθμό και την αίσθηση του κομματιού;

Έχω καιρό πίστευαν ότι πρέπει να είναι το πρώτο πράγμα που πρέπει να κάνετε σωστά και υπάρχει μικρή σημειώσεις σημείο παίζει καθόλου αν δεν είναι στην επιθυμητή ρυθμό και να αισθάνονται. Tempo, όμως, είναι εντελώς άλλο θέμα – υπάρχουν πολλά να ειπωθούν για την ακρίβεια, ακόμη και παίζοντας μουσική σε σημαντικά διαφορετικούς ρυθμούς για να εσωτερικεύουν το κομμάτι καλύτερα.

Ο συγχρονισμός είναι το θεμέλιο της μουσικότητας: «Όταν μια σημείωση χτύπησε σε λάθος χρόνο, αυτό είναι το λάθος νότα». Να πάρει το παιχνίδι με το σωστό ρυθμό το συντομότερο δυνατό είναι ο λόγος που έχω πάντα αναζήτησε δομημένη και εμπνευσμένη ρυθμική υποστήριξη. Αυτό τελικά να οδηγήσει σε «Τραγούδι Rhythm Tracks».

Ένα από τα πιο επανειλημμένες όρους και από τους μουσικούς είναι ότι «η πρακτική κάνει τέλειος». Έχω ακούσει αυτό το αλλαγμένο σε «πρακτική κάνει μόνιμο». δηλαδή αν επαναλαμβάνουμε ένα πράγμα ξανά και ξανά, τότε μην το εσωτερικεύουν και γίνεται μια δυνατότητα που έχουμε «χωρίς συνειδητά να σκεφτόμαστε γι ‘αυτό». Αυτός είναι ο λόγος που μπορούμε να κάνουμε πολύπλοκα συντονισμένες κινήσεις χωρίς πολύ συνειδητή σκέψη, όπως η οδήγηση αυτοκινήτων ή ακόμη και χρησιμοποιώντας ένα μαχαίρι και πιρούνι. Αν δεν έχετε κάνει αυτά τα πράγματα στη ζωή σας, πριν να είναι πολύ δύσκολο για την πρώτη φορά, αλλά από τη στιγμή που εκτελούνται καθημερινά ακόμη δεν τους αναγνωρίζει ως πρόκληση πια. Είναι σαν ένα εντελώς διαφορετικό μέρος του μυαλού σας έχει ανατεθεί το καθήκον. Έτσι, αυτό που είναι σημαντικό είναι ότι είμαστε πολύ επιλεκτικές σχετικά με τη χρήση αυτής της τεχνικής επανάληψη και βεβαιωθείτε ότι εφέ δεν λειτουργούν εναντίον μας, διότι αν αυτό που ασκούν δεν είναι ωφέλιμη, τότε θα πάρει εσωτερίκευση εξίσου εύκολα …. Έτσι, η πρακτική μπορεί να κάνει τέλεια? Θα κάνει τελικά μόνιμη, αλλά αυτό μονιμότητας μπορεί να σας νικήσει, καθώς και να σας βοηθήσει.

Μια βασική πτυχή της μουσικής είναι ο ρυθμός και το χρονοδιάγραμμα – είναι αυτό που μπορεί να κάνει τη μουσική ζωντανεύουν, και είναι αυτό που μπορεί να σκοτώσει επίσης. Είναι σημαντικό να αναπτύξουμε καλό ρυθμό και το χρονοδιάγραμμα.

Εάν δεν έχουν ακόμη αναπτύξει την αίσθηση της τακτικής παλμό που υπάρχει στις περισσότερες σύγχρονη μουσική – ποπ, λαϊκό, χώρα, τζαζ – παίζουν μαζί σε κάτι με ένα παλμό είναι ένα μεγάλο πλεονέκτημα, διότι όπου το σφυγμό σας λείπει θα είναι σαφώς εμφανίζονται και θα προσαρμόζει αυτόματα να ακολουθήσει τον παλμό και να κρατήσει το χρόνο. Μεγάλη: Αυτή είναι μια πραγματική νίκη. Η σύστασή μου είναι να είναι πολύ επιλεκτική σχετικά με τη χρήση των Μετρονόμοι και κάντε κλικ-κομμάτια:

Κατάχρηση Μετρονόμοι και κάντε κλικ στο κουμπί κομμάτια Θεωρείται Επιβλαβές

Πάντα να χρησιμοποιείτε ένα κλικ-track, όταν ασκείστε, αλλά και όταν παίζουν μαζί σε μια ομάδα κατά πάσα πιθανότητα θα λειτουργήσει εις βάρος ανάπτυξη της δικής σας ανθρώπινης αλληλεπίδρασης για τον παλμό και την απομακρύνει από τις ρυθμικές αποχρώσεις που καταλήγουν να ηττηθεί από τον απαιτητικό, OH-έτσι-τακτική , ‘Κάντε κλικ’. Επίσης, μετρώντας όταν εμπλοκή με τους άλλους θα είναι ένα πρόβλημα: Μετρώντας τους παλμούς εντός του μετρητή, όπως 1-και-α, 2-και-α, είναι απολύτως ανεκτίμητη βοήθεια όταν την εκμάθηση μιας νέας, ίσως ρυθμικά προκλητική μελωδία: έχω ακούσει να λέγεται ότι αν δεν μπορεί να υπολογίζει μια μελωδία ή ρυθμική ιδέα έξω, δεν το ξέρω πραγματικά: είναι υπέροχο να μετρήσει έξω για να εξασφαλίσει πραγματικά το γνωρίζουν, αλλά από τη στιγμή που έχουν εσωτερικεύσει ότι μελωδία, ήρθε η ώρα να σταματήσει την καταμέτρηση του και να αισθάνονται το ρυθμό και να επικοινωνούν με τους άλλους που παίζουν με, χωρίς να εμποδίζει τους έξω από την καταμέτρηση στο κεφάλι σας. Το θαυμάσιο πράγμα για λαϊκή παίζουν μαζί μουσική είναι η ανθρώπινη αλληλεπίδραση που θα χάσετε αν είστε επικοινωνία με ένα κλικ κομμάτι αντί για τους άλλους ανθρώπους που παίζουν με, ή μετρήσει κάθε μπαρ στο κεφάλι σας, αντί να ακούει τον άλλο μουσικούς. Δεν είμαι ο μόνος που βλέπει με αυτόν τον τρόπο: Έχω ακούσει το βρετανικό μουσικό Jamie Cullum λένε ότι αποφεύγει τη χρήση των κλικ κομμάτια όταν το μπλοκάρισμα και την καταγραφή επειδή παίρνει μακριά την ανθρώπινη άμπωτη και τη ροή της μουσικής, όταν χρησιμοποιούνται . Δεν θα ήθελα να έχουμε χάσει το υπέροχο άμπωτη και τη ροή του παιχνιδιού του.

Πώς να ασκήσετε και μαρμελάδα;

Πρώτο Στάδιο – Οι πρόωρες αρχές του Private Practice:

Αν είστε εκμάθηση μιας νέας, ίσως πρόκληση, μελωδία, για πρώτη φορά, σε ιδιωτικό ιατρείο, τότε σίγουρα, μετράνε από το μετρητή και να χρησιμοποιήσετε έναν μετρονόμο / κλικ-track επιλεκτικά και με σύνεση για να ελέγξετε το χρόνο σας, αλλά, μόλις «Εχω επιβεβαίωσε το έχεις, σταματήστε να χρησιμοποιείτε το μετρονόμο ή κάντε κλικ στο κομμάτι το συντομότερο δυνατόν και να μην το χρησιμοποιήσετε ξανά για το συγκεκριμένο μουσικό κομμάτι, γιατί ό, τι ήταν κάποτε βοηθώντας σας να πάρετε την καλύτερη ρυθμικά θα περιορίσει τώρα και να σας κρατήσει πίσω.

Τρίτο Στάδιο – Εμπλοκές ή Gigging με άλλους μουσικούς:

Θα έρθει για να οργανώσει δύο χρόνια αργότερα! Όταν εμπλοκές ή gigging, δεν μετράνε στο κεφάλι σας. Μέχρι τώρα θα πρέπει να έχουν εσωτερικεύσει το τραγούδι από το ιδιωτικό ιατρείο και να είναι έτοιμοι να επικοινωνούν με τους άλλους και καταμέτρηση θα υποβαθμίσει την ακρόαση. «Ας το Melody από τον οδηγό σας». Αν έχετε τη μελωδία στο μυαλό σας κατά την εκτέλεση και αυτοσχεδιάζοντας θα σας βοηθήσει να κρατήσει τη θέση χωρίς να χρειάζεται να μετράνε. Επίσης, όπου υπάρχει μια παύση στη μελωδία συμπληρώσει τη μελωδία με τη δική σας για να βοηθήσει με αυτό. Για παράδειγμα, εάν η μελωδία έχει ένα υπόλοιπο δύο μπαρ, στη συνέχεια, συμπληρώνοντας ότι το υπόλοιπο με το δικό σας «γεμίζουν μελωδία» θα υποστηρίξει χρησιμοποιώντας τη μελωδία για να κρατήσει τη θέση στην μελωδία. Κρατώντας τη μελωδία στο μυαλό σας θα είναι το λιγότερο απόσπαση της προσοχής ενώ ακούτε τους άλλους παίκτες εκτός αίσθηση του ρυθμού και το χρόνο σας είναι τόσο καλή και είστε τόσο σφιχτά με τα άλλα μέλη του συγκροτήματος που δεν χρειάζεται καν αυτό. Αν δυσκολεύεστε να κρατήσει τη θέση σας, τότε μια ισχυρή λαβή στη μελωδία μπορεί να είναι το καλύτερο πράγμα για να βοηθήσει αυτό.

Δεύτερο Στάδιο – Η άσκηση μόνη της ή ίσως με άλλους:

Τι να κάνετε όταν παίζετε τη μελωδία πάνω σε τακτική βάση για να εσωτερικεύουν πριν να το παίξετε με άλλους, ή ακόμα και αν δεν μπορείτε να παίξετε με τους άλλους; Πρώτον, θα ήταν καλό να πάρετε μια αίσθηση της μορφής της μουσικής, και επίσης, (ii) θα ήταν καλό για την πρακτική, και να παίξει, το ρυθμικό ύφος του κομματιού. Νομίζω ότι ένα ιδανικό, και μη ρεαλιστικές, βέλτιστο θα ήταν να έχουμε μια πραγματική ανθρώπινη μπάντα από έμπειρους μουσικούς που γνωρίζουν το κομμάτι και είναι έτοιμη στην πράξη στούντιό σας να μαρμελάδα μαζί με. Θα πρέπει, επίσης, να σας φιλοξενήσουμε με την παύση και την έναρξη στην εντολή σας. Η έννοια αυτή έχει αντιμετωπιστεί καλύτερα από επαγγελματίες κομμάτια υποστήριξη μουσικός που παρέχονται από τους προμηθευτές όπως «Aebersold». Είναι μια πολύ καλή επιλογή, αλλά δεν είναι πάντα πρακτικό. Αν έχετε αγοράσει ένα από αυτά, και περιλαμβάνει συντονιστείτε σας, το κλειδί και το ύφος και παρόμοια tempo θα πρέπει να το παίζουν με το συγκρότημά σας, στη συνέχεια, μεγάλη, δεν περιλαμβάνουν παίζουν μαζί σε αυτό ως μέρος αυτής της πρακτικής. Μπορεί να είναι πολύ ευχάριστη και επιτρέπει σε κάποιον να ασκήσει τον αυτοσχεδιασμό με τα ακουστική ελέγχους για την αρμονία και τη μορφή που διαφορετικά δεν θα είχαν. Αυτό είναι, αν αυτοσχεδιάζουν πάνω από τη φόρμα και ρίξτε ένα μπαρ ή να ξεχάσει μια αλλαγή χορδή θα πρέπει να ακούσετε αυτό και να είναι σε θέση να το διορθώσει. Μια άλλη μεγάλη επιλογή είναι να παίξει μαζί με τους καλλιτέχνες κομμάτια της μελωδίας. Ας υποθέσουμε ότι είστε εκμάθηση φθινόπωρο φύλλα και έχετε ηχογραφήσεις του από διάφορους καλλιτέχνες στη δισκοθήκη σας, τότε το παιχνίδι αυτές τις ηχογραφήσεις και να παίξουν μαζί, «συνοδεύει» με τις χορδές μιας βασικής γραμμής. Μπορείτε αλληλεπιδρούν με κορυφαίους μουσικούς που αναμφίβολα παίζει το κομμάτι καλά – κάτι που εσωτερικεύουν θα υπάρξει ως άψυχο και επιζήμια ως ένα κλικ-track. Πιστεύω ότι αυτή τη στιγμή, όταν παίζετε και εσωτερίκευση μια μελωδία, είναι σημαντικό να εξασκηθείτε σε όσες «μορφές πρακτικής» όσο το δυνατόν – αυτές που αναφέρθηκαν προηγουμένως και, παίζει μόνο τη μελωδία από μόνη της, και στη συνέχεια η μελωδία και η την έναρξη, στη συνέχεια να παίξει τη γραμμή βάσης και τραγουδούν τη μελωδία, στη συνέχεια, να παίξει τις χορδές και να τραγουδά τη μελωδία, στη συνέχεια, να παίξει τις χορδές και να παίξει τη μελωδία μαζί. Να παίρνετε την ιδέα; Η μεγαλύτερη ποικιλία από τρόπους που μπορείτε να ακούσετε και να εκτελέσει τη μελωδία η καλύτερη ακουστική γνώσεις σας γίνεται. Έτσι, τι γίνεται με το ρυθμό και το χρονοδιάγραμμα όταν κάνετε αυτό;

Νομίζω ότι η καλύτερη επιλογή είναι να έχουμε ένα παιχνίδι υποστηρίζοντας διαδρομή ρυθμό που δεν έχει τη βασική γραμμή ή χορδές, αλλά θα εκπροσωπήσει τη μορφή του κομματιού, όπου τα τμήματα έναρξης και λήξης, όπου οι ενεργειακές αλλαγές και τις κινήσεις απόδοση από «Α», τμήματα να τμήματα «Β» (ή γέφυρα) και να μεσαία ρεφρέν, τα οποία είναι γενικά η θέση για αυτοσχεδιασμούς, και ακόμη και όταν συμβαίνουν φράσεις τεσσάρων ράβδων κλπ Εάν αυτή rhymic πλάτη είναι επίσης ζωντανές και τα ανθρώπινα αντί μετρονομική στην παράδοση του και είναι σε η ρυθμικό στυλ που θα παίζει το κομμάτι που όχι μόνο έχουν μια μεγάλη βάση για την εκμάθηση της κομμάτι, αλλά και μια εξαιρετικά ευχάριστη, καθώς και. Ουσιαστικά, είναι το ίδιο επιχείρημα που πήγαν για να παίζουν μαζί για να κάνετε κλικ κομμάτια: Ένα κομμάτι κλικ μπορεί να εκθέσει πολλά σφάλματα που μπορεί να έχετε με το μετρητή και την τοποθέτησή σας από τις χορδές, την έναρξη ή τη μελωδία σας, αλλά θα εγκαταστήσει επίσης ένα ηχομονωτικό του άλλου ρυθμική πτυχές που πρέπει να συμβαίνει. Προτείνω ποτέ χρησιμοποιώντας ένα κομμάτι κλικ σε αυτό το στάδιο? αντί να χρησιμοποιήσετε ένα κομμάτι υποστήριξης με μια πραγματική αίσθηση του ρυθμού από τον ήχο του πραγματικού τυμπανιστές παίζουν πραγματικό drums στο στυλ σας θα πρέπει να το παίζει και με τη μορφή του τραγουδιού που μαθαίνετε. Νομίζω ότι αυτή είναι μια καλή ιδέα, ακόμη και αν πραγματοποιηθεί σε ένα ντράμερ-κάτω σύνολο. Κάποιος μπορεί πάντα επιπλέον ασκήσουν το κομμάτι χωρίς υποστήριξη για να εξασφαλιστεί κάποιος μπορεί να διατηρήσει τη δική του αίσθηση του ατόμου του ρυθμού και του χρόνου χωρίς την πίστα υποστήριξη, αλλά είναι καλό να πάρετε μια αρχή από την μεγάλη drumming πρώτο. Έτσι, πώς να πάρει μεγάλη ήχο της ανθρώπινης κομμάτια υποστήριξη στη μουσική φόρμα του τραγουδιού σας; Υπάρχουν τώρα «τραγούδι Rhythm κομμάτια» από το Alive Drumming παρέχει ακριβώς αυτό …

Ensisijaisuus Rhythm harjoitellaan populaarimusiikin

Kun oppimaan uuden musiikkikappale, kun pitäisi muusikko työtä saada oikeaan rytmiin ja tuntumaa pala?

Olen pitkään uskonut sen pitää olla aivan ensimmäinen asia saada oikeutta ja siellä mielekästä pelaaminen muistiinpanoja ollenkaan, jos ne ovat halutussa rytmi ja tuntumaa. Tempo on kuitenkin aivan toinen aihe – siellä on paljon sanottavaa tarkkuutta ja jopa pelaaminen kuuntelusta merkittävästi eri tempoissa sisäistää pala paremmin.

Ajoitus on kallioperän musikaalisuus: ”Kun muistiinpano lyödään väärään aikaan, se on väärä nuotti”. Getting pelaa oikean rytmin mahdollisimman pian ja siksi olen aina pyrkinyt ulos jäsennelty ja inspiroiva rytmistä tausta. Tämä johtaa lopulta ” Song rytmiraitoja ”.

Yksi toistuva ehdoin ja muusikot, että ”harjoitus tekee mestarin”.   Olen kuullut tämän muutettava, ” harjoitus tekee pysyviä ”. eli jos toistamme asiaa uudestaan ja uudestaan sitten emme sisäistää ja se tulee laitokseen meillä ”ilman tietoisesti ajatellut sitä”. Tämän vuoksi emme voi tehdä monimutkaisia koordinoituja liikkeitä ilman suurempia tietoisen ajattelun kuten autolla ajettaessa ja jopa veitsellä ja haarukalla. Jos et ole koskaan tehnyt näitä asioita elämässäsi ennen kuin ne voivat olla hyvin haastavaa ensimmäistä kertaa , mutta kun suoritetaan päivittäinen ei edes tunnista niitä haasteena enää. Aivan kuin täysin eri osa mieltäsi on tehtävää suorittamaan. Joten, mikä on tärkeää on, että olemmehyvin valikoiva käyttämällä tätä toistoa tekniikkaa ja varmista, että se toiminto ei toimi meitä vastaan, sillä jos me harjoitellaan ei hyödytä niin se saa sisäistetty yhtä helposti …. Joten, käytäntö voi tehdä täydellisiä; Se tulee lopulta tehdä pysyviä, mutta pysyvää voi voittaa sinua sekä auttaa sinua.

Keskeistä musiikki on rytmi ja ajoitus – se mitä voi tehdä musiikkia henkiin, ja se mitä voi tappaa sen hyvin. On tärkeää, että kehitämme hyvää rytmiä ja ajoitusta.

Jos et ole vielä kehittynyt tunne, että säännöllinen pulssi, joka on läsnä useimmissa modernin musiikin – pop, folk, country, jazz – pelaa pitkin jotain pulssi on suuri etu, koska aina kun pulssi puuttuu se jää selvästi näytetään ja saat automaattisesti säätää seurata sykettä ja pitää ajoitus. Suuri: Tuo on oikea voittaa. Oma suositus on olla hyvin valikoiva käyttö Metronomit ja klikkaa kappaleita:

Väärinkäyttö ja Metronomit ja klikkaa kappaleita pidetään haitallisena

Aina käyttäen click-raidalla, kun harjoitella ja myös pelatessa yhdessä ryhmässä todennäköisesti torjuvat kehittää omia ihmisen vuorovaikutusta pulssi ja vaikeuttavat rytminen vivahteita, jotka päätyvät lyöty hoitaa vaativaa, ah-niin-säännöllinen , ‘klikkaus’. Myös, laskee kun häirintää muiden kanssa on ongelma: Counting pulssien mittarin, kuten 1-ja-a, 2-ja-a, on ehdottoman arvokasta apua kun oppimisen uusi, ehkä rytmisesti haastava melodia: Olen kuullut sanottavan, että jos et voilaskea melodian tai rytmin ajatus pois, et todellakaan tiedä sitä: On hienoa laskea sitä, jotta pystymme tietää varmasti, mutta kun olet sisäistänyt että melodia, on aika lopettaa laskemisen sitä ja tuntea rytmin ja kommunikoida toiset pelaatte tukkimatta niitä laskemalla päähäsi. Ihmeellistä kansanmusiikkia yhdessä soittamisesta on inhimillinen vuorovaikutus, että et menetä jos olet yhteydessä click-radan sijasta toisten ihmisten pelaatte tai laskea välein baari päätäsi sijaan kuunnella muiden muusikoita. En ole ainoa, joka näkee sen näin: Olen kuullut brittiläinen muusikko Jamie Cullum sanoa, että hän ei tarvitse käyttää klikkauksen radalla, kun tukoksia ja tallennuksen koska se vie ihmisen ja luode musiikkia, kun niitä käytetään .

Miten harjoitella ja hilloa?

Stage One – Early alkuvaiheet Private Practice:

Jos olet oppimisen uuden, ehkä haastavaa, melodia ensimmäistä kertaa, yksityisen käytännössä, niin varma, muuta laskea ulos mittarista ja käyttää metronomi / click-rata valikoivasti ja harkiten tarkistaa ajoitus, mutta heti kun ‘ve vahvisti sinulla on se, lopeta metronomin tai valitse raita ASAP äläkä käytä sitä uudelleen, että musiikkikappale, koska se, mitä oli kerran auttamista sinua saamaan parempia rytmisesti nyt rajoita sinua ja pitää sinut takaisin.

Vaiheessa – Häirintä tai keikkaillut muiden muusikoiden kanssa:

Tulemme vaiheeseen kaksi myöhemmin!   Kun häirintä tai keikkailua, ei lasketa päätäsi. Tähän mennessä sinun olisi sisäistänyt kappaleen yksityisten käytäntöjä ja olla valmiina kommunikoimaan muiden kanssa ja laskenta vähentäisi kuunteluun. ”Let Melody teidän opas”. Jos sinulla on melodia mielessäsi suoritettaessa ja improvisoinnin se auttaa sinua pitämään paikallaan ilman tarvetta laskea. Lisäksi silloin, kun on tauko melodia täydentää melodia oman auttaa tässä. Esimerkiksi, jos melodia on kaksi baari levätä sitten täyttämällä että loput omalla ‘täyttää melodia’ tukee käyttämällä melodian pitää paikkansa vireessä. Keeping melodia päässäsi on vähiten häiriötä kuunnellen muita pelaajia ellei rytmitajua ja ajoitusta on niin hyvä, ja olet niin tiukka muiden bändin jäsenille, että et tarvitse edes sitä.

Toinen vaihe – Harjoitellaan yksin tai ehkä muiden kanssa:

Mitä tehdä, kun soitat virittää yli säännöllisesti sisäistää sitä ennen pelin alkua muiden kanssa tai vaikka et koskaan päästä pelaamaan muiden kanssa? Ensinnäkin, se olisi hyvä saada tunnetta muodossa musiikin, ja myös, (ii) olisi hyvä harjoitella ja toistaa, että rytminen tyyliin pala. Mielestäni ihanteellinen, ja epärealistinen, optimi olisi saada oikean ihmisen bändi kokeneita muusikoita, jotka tietävät pala hyvin valmiina omassa käytännössä studioon hillo pitkin. Niiden on myös vastata sinulle lopettamalla ja alkaa komento. Tämä käsite on puuttua parhaiten ammattimuusikko taustoja toimittamia toimittajat, kuten ‘Aebersold’. Ne ovat hyvä vaihtoehto, mutta ei aina käytännöllinen. Jos olet ostanut yhden näistä, ja se sisältää oman virittää, keskeisillä ja tyyli ja vastaavat tempo pelaatte sitä bändi, sitten suuri, eivät kuuluu pelaa pitkin sen osana tätä käytäntöä. Se voi olla todella nautittavaa ja mahdollistaa yhden harjoitella improvisaatio Auditiivisen tarkastusten harmonian ja muodostavat sinun ei muutoin olisi. Eli jos improvisoimaan lomake ja pudota baari tai unohtaa sointu muutoksen pitäisi kuulla, että sekä kyetä korjaamaan sitä. Toinen hyvä vaihtoehto on soittaa yhdessä taiteilijoiden kappaleet vireessä. Sano opitte Autumn Leaves ja olet tallenteet sen eri taiteilijoiden omassa musikaalisen, sitten pelata näitä tallenteita ja soittaa mukana, ‘mukana’ sointuja, että perustason. Olet yhteydessä huippumuusikoita jotka epäilemättä pelaa pala hyvin – mitään sisäistät siellä on eloton ja vahingollisen napsautustuloksena radalla. Uskon tässä vaiheessa, kun pelaat ja sisäistäminen virittää, on tärkeää harjoittaa sitä niin monta käytäntö formaatteja “mahdollisimman – mainitut tekijät ja myös pelaa yksin melodia itse, ja sitten melodia ja lähtötilanteessa, sitten pelata lähtökohdan ja laulaa melodia, sitten pelata soinnut ja laulaa melodia, sitten pelata soinnut ja soittaa melodia yhdessä. Saatko ajatus? Mitä enemmän erilaisia ​​tapoja kuulet ja suorita virittää sitä parempia lausuntatavan tietoa siitä tulee. Joten, entä rytmi ja ajoitus, kun teette tämän? Mielestäni paras vaihtoehto on rytmi tausta pelissä, jossa ei ole lähtötilanteessa tai sointuja, mutta on tärkeää harjoitella sitä niin paljon ‘käytäntöä formaatteja’ mahdollisimman – mainitut tekijät ja myös pelaa yksin melodia itse, ja sitten melodia ja perustason, sitten pelata lähtökohdan ja laulaa melodia, sitten pelata soinnut ja laulaa melodia, sitten pelata soinnut ja soittaa melodia yhdessä. Saatko ajatus? Mitä enemmän erilaisia ​​tapoja kuulet ja suorita virittää sitä parempia lausuntatavan tietoa siitä tulee. Joten, entä rytmi ja ajoitus, kun teette tämän? Mielestäni paras vaihtoehto on rytmi tausta pelissä, jossa ei ole lähtötilanteessa tai sointuja, mutta on tärkeää harjoitella sitä niin paljon ‘käytäntöä formaatteja’ mahdollisimman – mainitut tekijät ja myös pelaa yksin melodia itse, ja sitten melodia ja perustason, sitten pelata lähtökohdan ja laulaa melodia, sitten pelata soinnut ja laulaa melodia, sitten pelata soinnut ja soittaa melodia yhdessä. Saatko ajatus? Mitä enemmän erilaisia ​​tapoja kuulet ja suorita virittää sitä parempia lausuntatavan tietoa siitä tulee. Joten, entä rytmi ja ajoitus, kun teette tämän? Mielestäni paras vaihtoehto on rytmi tausta pelissä, jossa ei ole lähtötilanteessa tai sointuja, mutta Saatko ajatus? Mitä enemmän erilaisia ​​tapoja kuulet ja suorita virittää sitä parempia lausuntatavan tietoa siitä tulee. Joten, entä rytmi ja ajoitus, kun teette tämän? Mielestäni paras vaihtoehto on rytmi tausta pelissä, jossa ei ole lähtötilanteessa tai sointuja, mutta Saatko ajatus? Mitä enemmän erilaisia ​​tapoja kuulet ja suorita virittää sitä parempia lausuntatavan tietoa siitä tulee. Joten, entä rytmi ja ajoitus, kun teette tämän? Mielestäni paras vaihtoehto on rytmi tausta pelissä, jossa ei ole lähtötilanteessa tai sointuja, muttaEdustaa muodon pala, Jossa osat alku ja loppu, jossa energia muuttuu suorituskyvyn siirtyy ‘A’ lohkot ‘B’ (tai silta) osia ja keski kertosäkeet, jotka ovat yleensä paikka improvisaatioilla, ja myös silloin, kun neljän baarin lausekkeet esiintyä jne Jos tämä rhymic selkä on myös elävä ja inhimillinen pikemmin kuin metronomisella sen toimitus ja on rytminen tyyli pelaavat pala et vain ole suuri pohjan oppimisen pala, vaan myös erittäin nautittavaa yksi samoin. Pohjimmiltaan se on sama argumentti, joka meni toistamiseen pitkin valitse kappaleet A raitaa voi altistaa monia puutteita voi olla mittariin ja sijoittaminen sointuja, perustason tai melodiaa, mutta se myös asentaa vaimentavat toisen rytminen näkökohtia, joita olisi tapahtumassa. Ehdotan koskaan käyttää raitaa tässä vaiheessa; mieluummin käyttää tausta todellisella rytmitajua tuleva ääni todellisen rumpaleita on oikeita rumpuja tyyliin pelaatte sitä ja muoto kappaleen opit. Mielestäni tämä on hyvä idea, vaikka esiintyy rumpali-vähemmän ensemble. Aina voi lisäksi harjoitella kappale ilman taustalaulu varmistamaan voi ylläpitää omaa rytmitajua ja ajoitusta ilman tausta, mutta se on hyvä saada alkavat suuri rummutusta ensin. Joten, miten saada upeiden ihmisten taustoja musiikillisessa muodossa biisi? Tällä hetkellä ” Aina voi lisäksi harjoitella kappale ilman taustalaulu varmistamaan voi ylläpitää omaa rytmitajua ja ajoitusta ilman tausta, mutta se on hyvä saada alkavat suuri rummutusta ensin. Joten, miten saada upeiden ihmisten taustoja musiikillisessa muodossa biisi? Tällä hetkellä ” Aina voi lisäksi harjoitella kappale ilman taustalaulu varmistamaan voi ylläpitää omaa rytmitajua ja ajoitusta ilman tausta, mutta se on hyvä saada alkavat suuri rummutusta ensin. Joten, miten saada upeiden ihmisten taustoja musiikillisessa muodossa biisi? Tällä hetkellä ”Song rytmiraitoja ”alkaen Alive Drumming tarjoavat juuri sitä …

Forrang Rhythm praktisere populærmusik

Når man lærer et nyt stykke musik, når skal en musiker arbejde på at få højre rytmen og fornemmelsen af ​​stykket?

Jeg har længe troet det skal være den allerførste ting at få ret, og der er megen mening spille noter på alle medmindre de er i den ønskede rytme og føler. Tempo, er imidlertid helt andet emne – der er en masse, der taler for præcision og selv spille melodier på markant forskellige tempi at internalisere det stykke bedre.

Timing er fundamentet for musikalitet: ”Når en note er ramt på det forkerte tidspunkt, det er den forkerte tone”. At få spilletid i den rigtige rytme så hurtigt som muligt er derfor, jeg har altid søgt ud struktureret og inspirerende rytmisk opbakning. Dette i sidste ende føre til ” Song Rhythm Tracks ”.

En af de mest gentagne vilkår og ved musikere er, at ”øvelse gør mester”.   Jeg har hørt denne ændrede til, ” øvelse gør permanent ”. dvs hvis vi gentager en ting igen og så skal vi internationalisere det, og det bliver en facilitet, vi har ”uden bevidst at tænke over det.” Det er derfor, vi kan gøre komplekse koordinerede bevægelser uden meget bevidst tanke såsom at køre bil og endda ved hjælp af en kniv og gaffel. Hvis du aldrig har gjort disse ting i dit liv, før de kan være meget udfordrende for første gang , men når udføres dagligt man ikke engang genkende dem som en udfordring længere. Det er som om en helt anden del af dit sind er tildelt opgaven. Så hvad der er vigtigt er, at vi ermeget selektiv om brug af denne gentagelse teknik og Kontroller det effekter virker ikke imod os, fordi hvis det, vi praktiserer ikke gavnligt derefter vil det blive internaliseret lige så let …. Så praksis kan gøre perfekt; Det vil i sidste ende gøre permanent, men at permanent kan besejre dig samt hjælpe dig.

Et centralt aspekt af musikken er rytme og timing – det er hvad der kan gøre musik levende, og det er, hvad der kan dræbe det så godt. Det er vigtigt, at vi udvikler en god rytme og timing.

Hvis du endnu ikke har udviklet sans for at regelmæssig puls, der er til stede i de fleste moderne musik – pop, folk, country, jazz – spille sammen til noget med en puls er en stor fordel, fordi uanset hvor din puls mangler det vil være klart vist, og du vil automatisk justere for at følge pulsen og holde timingen. Stor: Det er en rigtig win. Min anbefaling er at være meget selektiv om brugen af ​​metronomer og click-tracks:

Misbrug af Metronomer og klik spor anses for skadelige

Altid bruge et klik-spor, når du praksis og også når man spiller sammen i en gruppe, vil sandsynligvis arbejde mod at udvikle din egen menneskelig interaktion på pulsen og aflede opmærksomheden fra de rytmiske nuancer, der ender med at blive slået ud af den krævende, åh-så-regelmæssig , ‘klik’.Også, tælle , når du jamming med andre vil være et problem: At tælle impulserne i måleren, såsom 1-og-et, to-og-en, er en absolut uvurderlig støtte, når lære et nyt, måske rytmisk udfordrende melodi: jeg har hørt det sagt, at hvis du ikke kantælle en melodi eller rytmisk idé ud, behøver du ikke rigtig ved det: Det er dejligt at tælle det ud til at sikre, at vi virkelig ved det, men når du har internaliseret, at melodi, er det tid til at stoppe tælle det og føler rytmen og kommunikere med de andre du spiller med uden at blokere dem ud ved at tælle i dit hoved. Det vidunderlige ved folkemusik spille musik sammen, er den menneskelige interaktion, at du går glip af, hvis du kommunikerer med et klik-track i stedet for de andre mennesker, du spiller med, eller tælle ud hver bar i dit hoved i stedet for at lytte til den anden musikere. Jeg er ikke den eneste, der ser det på denne måde: Jeg har hørt den britiske musiker Jamie Cullum siger, at han undgår brugen af ​​klik spor når jamming og optagelse, fordi det tager væk den menneskelige ebbe og flod af musikken, når de anvendes .

Hvordan til at praktisere og marmelade?

Fase One – den spæde start af Private Practice:

Hvis du er ved at lære en ny, måske udfordrende, melodi for første gang, i privat praksis, så sikker, tæller ud måleren og bruge en metronom / klik-track selektivt og omtanke for at tjekke din timing, men, så snart du ‘ve bekræftet du har fået det, stoppe med at bruge metronomen eller klik sporet asap og ikke bruge den igen til det stykke musik, fordi det var engang vejlede dig i at få det bedre rytmisk vil nu begrænse dig og holde dig tilbage.

Tredje fase – Jamming eller spille ude med andre musikere:

Vi vil komme til at iscenesætte to senere!   Når jamming eller spille ude, tæller ikke med i dit hoved. Ved nu du skal have internaliseret sangen ved privat praksis og være klar til at kommunikere det med andre og optælling vil forringe lytte. ”Lad Melody ved din vejledning”. Hvis du har melodien i dit sind, mens de udfører og improviserer det vil hjælpe dig med at holde sted uden noget behov for at tælle. Også, hvor der er en pause i melodien supplere melodi med dine egne til at hjælpe med dette. For eksempel, hvis melodien har en to bar hvile så udfyldning af at hvile med din egen ‘fyld melodi’ vil støtte at bruge melodien at holde stedet i melodien. Holde melodien i dit hoved vil være den mindst distraktion, mens du lytter til de andre spillere, medmindre din rytmesans og timing er så god, og du er så stram med de andre bandmedlemmer, som du ikke har behov for selv at.

Fase to – Øve alene eller måske med andre:

Hvad skal man gøre, når du spiller melodien løbet regelmæssigt at internalisere det, før du spiller det med andre, eller selv hvis du aldrig komme til at lege med andre? For det første ville det være godt at få en fornemmelse af den form for musik, og også, (ii) det ville være godt at øve, og spille, i den rytmiske stil af stykket. Jeg tror en ideel, og urealistisk, optimal ville være at have en reel menneskelig band af erfarne musikere, der kender det stykke godt klar i din praksis studiet for at jamme med på. De vil også være nødvendigt at imødekomme dig ved at stoppe og starte på din kommando. Dette begreb er blevet bedst løses af professionelle musiker backing tracks leveret af kreditorer såsom ‘Aebersold’. De er en stor mulighed, men ikke altid en praktisk. Hvis du har købt en af ​​disse, og det omfatter din melodi, i nøglen og stil og lignende tempo vil du spille det med dit band, så stor, behøver INDEHOLDE spille sammen til det som en del af denne praksis. Det kan være rigtig sjovt og gør det muligt at øve improvisation med de fonetiske kontrol af harmoni og danne dig ellers ikke ville have. Det er, hvis du improvisere over formen og slippe en bar eller glemmer en akkord ændring, du skal høre, at og være i stand til at rette det. En anden stor mulighed er at spille sammen til kunstnere spor af melodien. Sig du er ved at lære Autumn Leaves og du har optagelser af det af forskellige kunstnere i din pladesamling, så spiller disse optagelser og spille sammen, ‘ledsager’ med akkorder af en baseline. Du interagerer med top musikere, der er uden tvivl spille det stykke godt – intet du internalisere der vil være lige så livløs og skadelig som et klik-spor. Jeg tror på dette tidspunkt, når du spiller og internalisere en melodi, er det vigtigt at praktisere det i så mange ‘praksis formater’ som muligt – de tidligere nævnte og også, spille alene melodien af ​​sig selv, og derefter melodien og den baseline, så spiller grundlinjen og synge melodien, så spiller akkorderne og synge melodien, så spiller akkorderne og spille melodien sammen. Får du den idé? Jo mere forskellige måder, du hører og udfører melodien jo bedre din lydlige viden om det bliver. Så hvad med rytme og timing, når du gør dette? Jeg tror, ​​den bedste løsning er at have en rytme opbakning spor, der afspilles, der ikke har grundlinjen eller akkorder, men er det vigtigt at praktisere det i så mange ‘praksis formater’ som muligt – de tidligere nævnte, og også, at spille alene melodien af ​​sig selv, og derefter melodien og grundlinjen, så spiller grundlinjen og synge melodien, så spiller akkorder og synge melodien, så spiller akkorderne og spille melodien sammen. Får du den idé? Jo mere forskellige måder, du hører og udfører melodien jo bedre din lydlige viden om det bliver. Så hvad med rytme og timing, når du gør dette? Jeg tror, ​​den bedste løsning er at have en rytme opbakning spor, der afspilles, der ikke har grundlinjen eller akkorder, men er det vigtigt at praktisere det i så mange ‘praksis formater’ som muligt – de tidligere nævnte, og også, at spille alene melodien af ​​sig selv, og derefter melodien og grundlinjen, så spiller grundlinjen og synge melodien, så spiller akkorder og synge melodien, så spiller akkorderne og spille melodien sammen. Får du den idé? Jo mere forskellige måder, du hører og udfører melodien jo bedre din lydlige viden om det bliver. Så hvad med rytme og timing, når du gør dette? Jeg tror, ​​den bedste løsning er at have en rytme opbakning spor, der afspilles, der ikke har grundlinjen eller akkorder, men Får du den idé? Jo mere forskellige måder, du hører og udfører melodien jo bedre din lydlige viden om det bliver. Så hvad med rytme og timing, når du gør dette? Jeg tror, ​​den bedste løsning er at have en rytme opbakning spor, der afspilles, der ikke har grundlinjen eller akkorder, men Får du den idé? Jo mere forskellige måder, du hører og udfører melodien jo bedre din lydlige viden om det bliver. Så hvad med rytme og timing, når du gør dette? Jeg tror, ​​den bedste løsning er at have en rytme opbakning spor, der afspilles, der ikke har grundlinjen eller akkorder, menVIL repræsentere form af stykket, Hvor sektioner starter og slutter, hvor energien ændringer som performance bevæger sig fra ‘A’ sektioner til ‘B’ (eller bro) sektioner og til midterste kor, som generelt sted for improvisationer, og selv hvor fire-bar sætninger forekomme etc. Hvis dette rhymic ryg er også naturtro og menneskelige snarere end metronomisk i sin levering og er i den rytmiske stil du vil spille den brik, du ikke kun har en stor fundament for at lære det stykke, men også en enormt fornøjelig en så godt. Væsentlige, det er det samme argument, der gik til at spille sammen til at klikke spor: Et klik track kan udsætte mange fejl, du måtte have med måleren og din placering af akkorderne, din baseline eller melodi, men det vil også installere en lammende på den anden rytmiske aspekter, der bør ske. Jeg foreslår aldrig bruge et klik styr på dette tidspunkt; hellere bruge et backing track med en reel følelse af rytme fra lyden af ​​rigtige trommeslagere spille reelle trommer i den stil, du vil spille den og form af den sang, du er ved at lære. Jeg tror, ​​det er en god idé, selvom du udfører i en trommeslager-mindre ensemble. Man kan altid derudover øve stykket uden opbakning for at sikre, man kan fastholde sin egen sans for rytme og timing uden opbakning spor, men det er godt at få en start fra stor tromme først. Så, hvordan man får god lyd menneskelige backing tracks i den musikalske form af din sang? Der er nu ” Man kan altid derudover øve stykket uden opbakning for at sikre, man kan fastholde sin egen sans for rytme og timing uden opbakning spor, men det er godt at få en start fra stor tromme først. Så, hvordan man får god lyd menneskelige backing tracks i den musikalske form af din sang? Der er nu ” Man kan altid derudover øve stykket uden opbakning for at sikre, man kan fastholde sin egen sans for rytme og timing uden opbakning spor, men det er godt at få en start fra stor tromme først. Så, hvordan man får god lyd menneskelige backing tracks i den musikalske form af din sang? Der er nu ”Song Rhythm Tracks ”fra Alive Drumming leverer præcis det …